Por Albert Sanz.
FICHA TÉCNICA
- Título original: Shortwave
- Año: 2.016
- Duración: 85 min.
- País: USA
- Director: Ryan Gregory Phillips
- Guión: Ryan Gregory Phillips
- Fotografía: Lucas Gath
- Reparto: Juanita Ringeling, Cristobal Tapia Montt, Kyle Davis, Jay Ellis, etc.
- Productora: Cue Mark Films
- Género: Terror, thriller psicológico, drama, ciencia ficción.
https://www.youtube.com/watch?v=aDp9i9oqSFs
De nuevo me encuentro ante otro caso como el de “Sam was here”. Aunque en esta ocasión no salí del cine cabreado, poco faltó; bueno, ligeramente mosqueado sí que salí. Y es que me encontré con una película que mezclaba ciencia ficción y terror, una fotografía sublime, intriga y tensión continuas, un ambiente claustrofóbico, una premisa de lo más atractiva y el notable debut en Hollywood de la chilena Juanita Ringeling, y que a la vez combinaba todo esto con escenas oníricas y tediosas y un guión que deja más interrogantes que respuestas. Por momentos una obra de arte y por momentos un suplicio aburrido.
“Isabel lleva a su hija a una librería. La pierde de vista un momento y desaparece. Un año después, ella y su marido Josh se trasladan a un nuevo hogar aislado en medio del bosque. Isabel, incapaz de superarlo, se refugia en su propio mundo de pesadilla, con alucinaciones, ruidos y presencias que la acechan, a la vez que comienza a desarrollar agorafobia. Por su parte, Josh y su compañero Thomas trabajan para el gobierno descifrando señales de radio procedentes del espacio. En uno de los análisis descubrirán una señal de vida inteligente procedente de otro planeta y, que junto a ésta, viaja otra de baja frecuencia dirigida exactamente a las coordenadas donde se ubica la nueva vivienda de Josh e Isabel.”
Excelente sinopsis la que nos trae el debutante director y guionista Ryan Gregory Phillips. Protagoniza Juanita Ringeling —“The ABC’s of death: Segment C is for Cycle”, “Chipe libre”, etc.—, una conocida y prestigiosa actriz chilena que debuta en Hollywood y lo hace a lo grande, puesto que toda la película gira en torno a su personaje y tiene oportunidad de dar un auténtico recital dramático. Pese a todo, sería injusto no destacar al también chileno Cristobal Tapia Montt —“Buena conducta”, “Feroz”, etc.—, ya que no sólo está convincente en su papel, sino que ambos forman una pareja con mucha química, aunque aquí la historia de amor esté supeditada a una trama de terror y locura.
Como pasó con “Sam was here”, Ryan Gregory Phillips conoce todo los resortes del terror y el suspense y además lo adereza con elementos de ciencia ficción, y en este sentido ha sido muy cauto al limitar la “tecno cháchara” al mínimo para no pillarse los dedos. Toda la historia de las señales de audio es creíble y consecuente con la evolución de Isabel, sin embargo, también ha pecado de crear un envoltorio de pesadilla olvidándose de profundizar y dar una explicación a lo que sucede.
Parte de culpa en ese envoltorio de pesadilla la tiene el director de fotografía Lucas Gath, quien ha conseguido crear un entorno asfixiante y claustrofóbico en una casa que no tiene nada de eso; es más, es una casa luminosa, minimalista, con una vistas a la 
naturaleza de auténtico ensueño, pero que en sus manos se ha convertido en un lugar que no le gustaría a nadie visitar. Respecto al guión, es cierto que hay algo de explicación a lo sucedido en la película durante el brutal clímax, pero es algo que genera más dudas que soluciones, y por en medio se han quedado varias escenas sin sentido. Sin ir más lejos, la supuesta intriga inicial es más bien un WTF? en toda regla: Isabel va con su hija a la librería, la deja con otros niños al cuidado de una monitora, entra al lavabo y cuando sale no hay niños ni monitora ni dependiente ni cajero ni cliente alguno. Francamente, había formas más sencillas y creíbles de idear un secuestro y, como espectador, me cuesta creer luego que la mujer esté tan afligida por la desaparición de su hija cuando dicha desaparición carece de lógica.
“Shortwave” lo tenía todo a su favor para ser una obra maestra, pero su creador ha pecado de querer ser demasiado onírico, bizarro y artístico y al final se ha quedado a medias entre lo aburrido y lo genial.
LO MEJOR
- Todo el plantel de actores, desde los protagonistas a los secundarios.
- El intenso registro dramático de Juanita Ringeling.
- La premisa de la señal extraterrestre y cómo afecta a la protagonista.
- La fotografía.
- El salvaje clímax, con buenas dosis de angustia y gore.
- El futuro de Ryan Gregory Phillips en el cine de terror siempre que profundice más en el guión que en la parte visual.
LO PEOR
- Plantear muchas incógnitas y no resolver casi nada ni dejar pistas para que el espectador las resuelva.
- El poco creíble arranque inicial.
- La cantidad de escenas oníricas y terroríficas que provocan más confusión y aburrimiento que miedo.
LA ESCENA
- Los últimos diez minutos.
Y es que aquí más que nunca Godzilla es una formidable amenaza, pero aún lo es más que ante la ausencia de un plan de actuación por parte del gobierno en un suceso así (algo comprensible), se siga a rajatabla unos trámites burocráticos lentos que obligan a reunirse diversos departamentos, luego los delegados de cada departamento, luego los delegados de cada delegado con el primer ministro, y ante la siguiente duda, vuelta a repetir todo el proceso, mientras el bicho va haciendo de las suyas.
Y dentro de todo el conflicto político interno, a veces tenso, a veces cómico del que hace gala la película, añadimos un factor externo que me pareció muy inteligente: el gobierno americano, al ser aliado de Japón, ofrece su ayuda en forma de bombardeo nuclear sobre Tokio, lo que lleva a cierto sector del gobierno japonés a pensar en que una vez más, se los quieren quitar de encima. Yaguchi y Ann Patterson tendrán que trabajar a contrarreloj para encontrar una solución que detenga a Godzilla antes del bombardeo nuclear, pese a que para la muchacha, apoyar esta opción pueda ser un revés en sus aspiraciones políticas.
Hasta aquí todo muy bien. Tenemos una sinopsis interesante con su dosis de intriga, un personaje que no entiende lo que sucede genialmente interpretado por Rusty Joiner, situación límite, tensión, una impresionante fotografía (genial los luminosos planos del desierto o el lúgubre interior de la habitación secreta del motel), escenas de acción escasas pero bien rodadas e introducidas en la trama, el misterioso locutor que conoce todos los movimientos que realiza el protagonista, etc. En definitiva, una road movie de manual, que te tiene pegado a la butaca sin que puedas pestañear hasta que termina y te quedas con cara de imbécil, esperando que haya una escena post créditos que te explique algo de lo que has visto. Y a eso viene lo del “efecto Lost”. Muchos fans de la serie defienden todo su desarrollo basado en acumulación de cliffhangers sin explicación argumentando que “lo importante es el viaje, no el destino”. Perfecto. El que acepte eso disfrutará de lo lindo con “Sam was here”. Por mi parte, soy de los que no lo aceptan con tanta tranquilidad. Que no me importa que se deje algún cabo suelto, algo con lo que teorizar al respecto, vale, pero sí me importa el que no haya NI UNA SÓLA explicación a lo sucedido. Y cualquiera puede teorizar al respecto de esta película, es cierto; se puede teorizar sobre si Sam es el asesino al que buscan pero que ha perdido la memoria, si no la ha perdido y está haciendo un papel, si ha muerto y está en el infierno sufriendo su condena… cualquier posibilidad puede ser la correcta o no, ya que no hay ni la más mínima pista que te haga decantarte por una teoría u otra. Y eso jode. Al menos a mí. Pero si para ti “lo importante es el viaje, no el destino”, esta es tu película, porque si obviamos la parte argumental, no hay duda de que está muy bien hecha.
Allá va la sinopsis: “Una mujer con fobia a las arañas es secuestrada por una desconocida organización, llevada a sus instalaciones y obligada a participar en una terapia de choque extrema. Los secuestradores la torturan obligándole a enfrentarse a sus miedos con tal de que alcance el “punto de ruptura”. Tras un intento de fuga descubrirá que el punto de ruptura no consiste en hacer que consiga superar sus miedos y fobias, sino algo mucho más terrorífico y peligroso.”
No puedo mencionar mucho más sin entrar en terrenos de spoilers. De hecho, a diferencia de las otras críticas, no he querido incluir el tráiler tras los créditos iniciales. El motivo es que el video te cuenta toda la peli ya desde el inicio, en el que la voz de uno de los malos explica su particular filosofía, así que he decidido incluirlo al final. La parte final previsible en la cual se conoce el misterio que rodea al “punto de ruptura” hace recordar a cierta saga muy popular que tampoco nombraré, pero el inquietante ambiente y particular estética permiten que no sea algo muy molesto (aunque sí que provoca un cierto desencanto en plan “vale, era esto, pues vaya”). Y lo más curioso es que el final, abierto a más no poder pide a gritos una secuela. Estamos ante una de las pocas veces en que estaría justificada una segunda parte.
Los motivos para crear tanta expectación fueron tres. Primero: la sinopsis… “Justine, una adolescente abandona el nido familiar para estudiar veterinaria en una universidad. Sobreprotegida, mimada y marcada por una rígida forma de vida vegana, se enfrentará de repente a un mundo de drogas, alcohol, libertinaje, sexo y novatadas humillantes, y a Alexia, una hermana mayor que es de todo menos un modelo a seguir.
Todo el asunto del canibalismo o los momentos en los que la directora pretende derivar a su obra hacia el terror no es más que una metáfora, violenta y desagradable, de mostrar la transición de la adolescencia a la etapa adulta. Si eliminamos la parte fantástica, estamos ante un realista relato sobre la represión y posterior liberación emocional de una adolescente, y la lucha entre querer encajar en un sitio nuevo y sus propios miedos a no conseguirlo. O sea, nada que no se haya visto antes. Y que conste que tampoco es una crítica, porque como digo, sin esa parte fantástica estaríamos igualmente ante un excelente drama adolescente. Parte de culpa la tiene el estupendo trío protagonista, Garance Marillier —Justine—, Ella Rumpf —Alexia— y Rabah Nait Oufella, quien interpreta a Adrien, el compañero de habitación de Justine, homosexual, prototipo de tronista en “Hombres, mujeres y viceversa” y su interés romántico/sexual. Y parte de culpa, cómo no, radica en la realizadora Julia Ducournau, quien tiene muy claro lo que quiere mostrar sin importar las críticas. Obsesionada por el cuerpo humano y ayudada por un fantástico director de fotografía como es Ruben Impens —“Alabama Monroe”, “The sky above us”, “Black mirror”, etc.—, no duda en mostrar tanto la parte más erótica como la más desagradable de Justine. Es capaz de trasformar a la joven Garance Marillier de una mosquita muerta en la que nadie se fijaría a un ser libidinoso que exuda sexualidad y erotismo por todos sus poros y a la vez, dar una vuelta de tuerca y conseguir que la escena de su primera relación sexual incomode más que excite por su intensidad y nivel de violencia (eso no quita para que esté rodada de PM). Y sobre lo de mostrar la parte más desagradable, pues Ducournau ha conseguido que después de que el espectador sexualice a un personaje que en un principio no provocaba esa emoción, sintamos asco o desaparezca la empatía hacia ella (la escena de la depilación o verla degustando con placer un dedo humano).
Sin embargo, no podemos quitarnos de encima el asunto del canibalismo y la pretendida deriva de la película hacía el terror, puesto que aunque pueda ser visto como la metáfora mencionada, tiene mucha importancia en la trama y es un apartado que no está bien desarrollado. Es decir, alguien que ha sido vegano por dieciocho años, no puede convertirse en carnívoro (y mucho menos en caníbal) por comerse un trocito minúsculo crudo de riñón de conejo de un día para otro —literal—. Y las escenas en las que se sugiere que hay un trasfondo oculto para este comportamiento, no son explicadas, dejando al espectador con demasiadas dudas.
Mi debut en este Sitges fue con esta película y además iba con una expectativa muy alta. Y es que si tenemos a un director —Colm McCarthy— especializado en televisión de calidad —“Sherlock”, “Los Tudor”, “Doctor Who”, “Murphy’s law”, etc.—, a un guionista — Mike Carey— que es además el escritor de la alabada novela que ésta película adapta, y el co-protagonismo de una siempre extraordinaria Glenn Close, y le sumamos lo huérfanos que estamos de producciones zombis de alto presupuesto para cines, está claro que estamos ante una de las películas de las que más se había hablado con anterioridad y que más ganas tenía de ver el público, que abarrotó todos los pases.
Parte de lo bueno de la película radica en dos de las mujeres del trío protagonista. Glenn Close se sale de su zona de confort habitual para mostrarnos a una científica militar muy cabrona. No es un témpano de hielo como sugieren sus primeras escenas, pero está dispuesta a todo con tal de ayudar a la humanidad, aunque sea matando a un grupo de chiquillos. Y la pequeña Sennia Nanua como Melanie también demuestra ser toda una estrella en ciernes y una actriz a la que habrá que seguir atentamente. Sin embargo, creo algo exagerado por parte la organización haberle otorgado el premio de mejor actriz, ya que realiza una grandísima interpretación pero no increíble, y porque una vez vista la película, no queda claro quién es más protagonista en el trío Close-Arterton-Nanua.
Tras el éxito del videoclip —casi sesenta millones de reproducciones entre YouTube y Vimeo— vinieron un par más en la misma línea y con ello una idea que le rondaba a Naishuller: el rodar la primera película en primera persona. O como se dice en jerga de videojuegos, un “first-person shooter”. Para plasmar su idea contactó con el director Timur Bekmambetov, defenestrado por la crítica por el nefasto remake de “Ben-Hur”, pero un tipo al que le atraen los retos y con una creatividad para la acción enormes, como demostró en ”Abraham Lincoln: Cazador de vampiros”, “Wanted: Se busca” y la reivindicable saga formada por “Guardianes de la noche” y “Guardianes del día”.
El desarrollo es simple: corre, salta, esquiva, dispara o golpea y mata. Igual que en un videojuego; pero el misterio de desconocer el pasado de Henry, el hecho de que el tal Jimmy —Sharlto Copley— no pare de morir ayudándolo y resucitando con otro aspecto y otra personalidad, el diseño casi de cómic del malo de turno, el humor presente y la aparición milimétricamente estudiada de clásicos del rock, convierten a “Hardcore Henry” en una puta obra maestra del cine de acción. Y ojo, tampoco diré que sea original, ni tan siquiera el videoclip de Biting Elbows lo es, puesto que ahí tenemos la genial escena en primera persona de “Doom” —Andrzej Bartkowiak, 2.005— en la que se homenajeaba al videojuego que presuntamente adaptaba, o el videoclip de The Prodigy, “Smack my bitch up” —1.997—; pero a día de hoy, “Hardcore Henry” lleva este concepto a un nuevo nivel y ya de paso, supera de pleno a las películas de acción que yo creía que eran la cumbre del frenesí y la locura, como son “Crank: Veneno en la sangre” y “Crank: Alto voltaje”.
En fin, la cosa es que pese a la premisa deliciosamente absurda y delirante, la película tiene varios momentos de aburrimiento y largas escenas en las que no pasa nada con diálogos absurdos escritos para confundir al espectador, como la sobreactuada presentación del personaje de Cameron Mitchell, el preso al que usan como cobaya humana en los experimentos. Por fortuna, todo lo que se ven pantalla es de tan ínfima calidad (actuaciones, diseño de personajes, el monstruo de Frankestein, efectos especiales, decorados, la aparición de apenas un minuto del veterano John Carradine a pesar de ser nombrado en la carátula como el actor principal, etc.) que al final es imposible no echarse unas risas.
Con dirección y guión del brasileño Felipe M. Guerra, “Fantasticozzi” —rodado en italiano— permite a Cozzi hablar de sí mismo, de su estrecha relación con Dario Argento, del modo de rodar cine de guerrilla y por supuesto, de su obra cumbre, «Starcrash: choque de galaxias«, una descarada explotation de «Star Wars», icónica entre los amantes de la caspa y que supuso un enorme éxito mundial al contar con estrellas de talla internacional como Christopher Plummer, Caroline Munro y ¡¡David Hasselhoff!!
“Fantasticozzi” resume una docena de horas de entrevistas a Cozzi y muestra una gran cantidad de material de sus películas, en ocasiones inédito. Así, podemos ver muchos de sus desconocidos cameos como figurante o secundario en películas de Dario Argento o Mario Bava y se nos da a conocer la manera de trabajar en el cine low cost italiano de los 60 y los 70.
“Dos video bloggers tienen un accidente tecnológico casero, por el cual se abre un portal dimensional que les absorbe y les hace aparecer en medio de la mítica película de serie Z “Manos: The hands of fate”. Tras sobrevivir como pueden, consiguen volver su dimensión. Lejos de estar tranquilos, al regresar comprueban como la cutrez ha invadido el mundo amenazando con destruir el universo. Todo lo que es habitual en el cine casposo se está mostrando en la realidad: zombis, ninjas, dinosaurios, freaks de todo tipo, cromas horribles, F/X de saldo, etc.
Sin embargo, la película muestra un problema de fondo, y no tengo muy claro si es la falta de experiencia en un proyecto de esta índole o si ha sido algo buscado, y es que la cantidad de referentes que aparecen forman parte de chistes, gags, secuencias cómicas o como queráis llamarlo, y parece que la risa deba aparecer por acumulación de chorradas y no porque éstas sean graciosas de verdad. O sea, que si al final hiciéramos un listado de todos los momentos cómicos, veríamos que no nos hemos reído con tantos. Pese a esto, es imposible no mencionar la escena en que el trío protagonista se introduce en un videojuego de aventura gráfica noventera tipo “Day of the tentacle”. Una escena de animación con un nivel técnico notable y que hace gala de un humor ingenioso. Lástima que la cinta no haya podido mantener ese nivel de comedia como lo mostrado en la mencionada escena, aunque por otra parte, si lo hubiese conseguido estaríamos hablando de una comedia que pasaría a los anales de la historia por su calidad, y se supone que eso no debe suceder si estamos hablando de cine cutre.
Athnecdotario Incoherente 