Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 9): Hardcore Henry, de Ilya Naishuller

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Hardcore Henry
  • Año: 2.015
  • Duración: 95 min.
  • País: Rusia
  • Director: Ilya Naishuller
  • Guión: Ilya Naishuller y Will Stewart
  • Fotografía: Pasha Kapinos, Vsevolod Kaptur y Fedor Lyass
  • Reparto: Sharlto Copley, Danila Kozlovsky, Haley Bennett, Tim Roth, etc.
  • Productora: Bazelevs Production y Versus Pictures
  • Género: Acción

 

 

    En 2.013, un desconocido realizador ruso llamado Ilya Naishuller, dirigió el videoclip del tema “Bad motherfuckers” perteneciente a su propio grupo de rock indie, Biting Elbows, —enlace aquí—. El resultado fueron cinco minutos de pura adrenalina en los que veíamos cómo un tipo escapaba de un edificio con un objeto que permite teletransportarse, mientras era perseguido por decenas de sicarios. Disparos, explosiones, acción, artes marciales, carreras y saltos a lo parkour, violencia gratuita y mucho humor negro. Un resultado espectacular pero que no se habría convertido en viral de no ser porque estaba todo rodado en primera persona.

hh3   Tras el éxito del videoclip —casi sesenta millones de reproducciones entre YouTube y Vimeo— vinieron un par más en la misma línea y con ello una idea que le rondaba a Naishuller: el rodar la primera película en primera persona. O como se dice en jerga de videojuegos, un “first-person shooter”. Para plasmar su idea contactó con el director Timur Bekmambetov, defenestrado por la crítica por el nefasto remake de “Ben-Hur”, pero un tipo al que le atraen los retos y con una creatividad para la acción enormes, como demostró en ”Abraham Lincoln: Cazador de vampiros”, “Wanted: Se busca” y la reivindicable saga formada por “Guardianes de la noche” y “Guardianes del día”.

Con la producción de Bekmambetov y la dirección de Naishuller nació “Hardcore Henry”, un delirio de acción frenética que no da descanso. Y si bien la película fue estrenada en 2.015 —aunque nunca llegó a España—, y muchos ya la habían visto, lo cierto es que el pase del Auditori, en jueves y a las 16:45 (la hora “tonta” de después de comer), congregó a más gente de lo que podía imaginar.

No negaré que iba con miedo, puesto que no es lo mismo ver un videoclip de cinco minutos en este formato que una película entera. Si ya en ocasiones cansa el ver una película found footage, imaginad ese concepto llevado al extremo con un protagonista que prácticamente no deja de correr ni saltar durante todo el metraje. Y más en una sala con una pantalla de dimensiones épicas como es la del Auditori del Hotel Melià. Y con otro punto negativo como es el concepto mismo de película-videojuego, ya que no es lo mismo jugar a un videojuego que ver jugar un videojuego.

Sin embargo, reconozco que la experiencia acabó siendo emocionante y divertida; y a ello contribuye su sencilla pero atractiva premisa: “Henry despierta en un laboratorio sin recordar quién es. Tras un accidente, ha sido reconvertido en cyborg con aspecto humano por Stelle —Haley Bennett—, quien se presenta como su esposa. Sin tiempo a reaccionar y sin que se le haya podido instalar el módulo de voz, el laboratorio es atacado por Akan —Danila Kozlovsky—, un enigmático malo con poderes telequinéticos y su ejército de soldados, los cuales secuestran a Stelle. Henry entonces tendrá que huir y luchar por su vida mientras intenta recuperar a su mujer, siendo ayudado por decenas de tipos con la cara de Sharlto Copley”.

hh4    El desarrollo es simple: corre, salta, esquiva, dispara o golpea y mata. Igual que en un videojuego; pero el misterio de desconocer el pasado de Henry, el hecho de que el tal Jimmy —Sharlto Copley— no pare de morir ayudándolo y resucitando con otro aspecto y otra personalidad, el diseño casi de cómic del malo de turno, el humor presente y la aparición milimétricamente estudiada de clásicos del rock, convierten a “Hardcore Henry” en una puta obra maestra del cine de acción. Y ojo, tampoco diré que sea original, ni tan siquiera el videoclip de Biting Elbows lo es, puesto que ahí tenemos la genial escena en primera persona de “Doom” —Andrzej Bartkowiak, 2.005— en la que se homenajeaba al videojuego que presuntamente adaptaba, o el videoclip de The Prodigy, “Smack my bitch up” —1.997—; pero a día de hoy, “Hardcore Henry” lleva este concepto a un nuevo nivel y ya de paso, supera de pleno a las películas de acción que yo creía que eran la cumbre del frenesí y la locura, como son “Crank: Veneno en la sangre” y “Crank: Alto voltaje”.

Incluso aunque a alguien no le haya gustado, es imposible que no caiga rendido ante el virtuosismo técnico de toda la película. Los efectos especiales, carreras, saltos, coreografías, la ingente cantidad de extras que aparecen, la espectacular fotografía y montaje, etc., todo ello remite a una producción de una dificultad enorme y de la que me encantaría ver un making off. Pero no solamente se puede destacar el apartado visual, puesto que Sharlto Copley realiza un despliegue interpretativo que deja al mostrado en “Distrito 9” a la altura del betún, encarnando al menos diez personajes —llegó un momento en que perdí la cuenta—, cada uno de ellos con distintas personalidades, acentos y apariencia.

Hardcore Henry” es toda una experiencia que te deja pegado a la butaca.

 

LO MEJOR

  • Que el formato “first-person shooter” no cansa tanto como podía imaginar.
  • Sharlto Copley.
  • El cameo de Tim Roth.
  • El sentido del humor.
  • El creativo e inhumano despliegue técnico, al nivel o superior al del más caro blockbuster hollywoodiense.
  • La brutal fotografía y montaje.
  • El enfrentamiento final entre Akan y Henry.

 LO PEOR

  • Que el formato “first-person shooter” pueda ponerse de moda como pasó en su día con el “found footage” y empiecen a llegar mediocridad tras mediocridad.
  • No conocer el origen de Henry ni su destino tras el final de la película.
  • Quedarnos con la duda de la valía como director de Ilya Naishuller, en espera de que ruede una película “normal” con más diálogos y personajes.

LA ESCENA

  • La magistral secuencia inicial de créditos, combinando la elegancia de los créditos de las películas de James Bond con una violencia inaudita.
  • El baile entre Henry y los Jimmys (sí, en plural).
  • Toda la épica batalla final.

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 8): Frankestein island, de Jerry Warren

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Frankestein island
  • Año: 1.981
  • Duración: 97 min.
  • País: USA
  • Director: Jerry Warren
  • Guión: Jerry Warren
  • Fotografía: Murray De Ately
  • Reparto: Robert Clarke, Steve Brodie, Cameron Mitchell, Katherine Victor, John Carradine, George Mitchell, etc.
  • Productora: Chriswar Films
  • Género: Terror, ciencia ficción, monstruos mutantes, caspa

 

https://www.youtube.com/watch?v=Vyqx-Nwa4vM

 

Visita a Brigadoon para ver un truñofilm. Lo cierto es que no conseguí acreditación para las películas que quería haber visto esa noche, pero aún así, pese a la caña de días anteriores conservaba energía para una dosis más, y teniendo en cuenta que todo lo proyectado en Brigadoon es gratis, pues para allí que fui. Aunque vamos, no es que me cueste mucho esfuerzo ver cine casposo.

Frankestein island” es una abominación audiovisual, con una premisa fruto de combinar sin pudor varios iconos del terror e ideas, un guión demencial, un desarrollo por momentos incompresible, interpretaciones nulas y un presupuesto casi inexistente. O sea, un maravilloso delirio y toda una joya que sólo podrán disfrutar los amantes de la caspa más avanzados, y que cuenta además con el dudoso honor de tener un 1.9 sobre 10 en la IMDB.

 fias3   “Un grupo de amigos aventureros realizan un viaje en globo cuando un accidente les obliga a aterrizar en una isla desconocida. Allí conocen a una tribu de mujeres amazonas que intentan sobrevivir al acoso y persecución de un par de viejos borrachos y un grupo de soldados de gran fuerza física, pero con las capacidades mentales mermadas para obedecer a sus amos. Los viejos llevarán a los amigos a una vieja mansión en la que vive Sheila Frankenstein, nieta del célebre doctor, que siguiendo la tradición familiar, trabaja en terribles experimentos.

    La doctora Frankestein intentará convencer a uno de los amigos que es médico para que le ayude a salvar a su anciano marido de doscientos años de edad y que se encuentra ya permanentemente postrado en la cama. Su marido, el doctor Van Helsing, cree que la clave para su recuperación está en mezclar la sangre de un humano sano al que tienen encarcelado con la de la tribu de amazonas, ya que éstas son descendientes de extraterrestres altamente avanzados que en tiempos pasados usaron la isla como base secreta en la Tierra.

  fias5  Mientras tanto, Sheila mantiene el cerebro intacto y con vida de su abuelo, el doctor Frankestein, y éste, tras alcanzar un nivel de conciencia elevado, es capaz de canalizar desde el más allá y desde el espacio poderosas energías que le permiten hablar, aparecer como un holograma y controlar todo lo que sucede en la isla y sus alrededores. Además, espera el momento en que su mejor creación, el monstruo de Frankestein original, que se encuentra atrapado bajo el mar cerca de la costa en una cueva subterránea, escape, y con la ayuda de su nieta y de Van Helsing, le sea reimplantado su cerebro en el cuerpo del monstruo y así pueda resucitar transformado en un ser inmortal de fuerza legendaria e inteligencia sin igual.”

WTF???????? ¿Cuántas drogas hay que consumir para idear una premisa de este tipo? ¡Y luego dicen que la saga “Sharknado” es una locura sin sentido! ¿Y esto qué es?

fias4   En fin, la cosa es que pese a la premisa deliciosamente absurda y delirante, la película tiene varios momentos de aburrimiento y largas escenas en las que no pasa nada con diálogos absurdos escritos para confundir al espectador, como la sobreactuada presentación del personaje de Cameron Mitchell, el preso al que usan como cobaya humana en los experimentos. Por fortuna, todo lo que se ven pantalla es de tan ínfima calidad (actuaciones, diseño de personajes, el monstruo de Frankestein, efectos especiales, decorados, la aparición de apenas un minuto del veterano John Carradine a pesar de ser nombrado en la carátula como el actor principal, etc.) que al final es imposible no echarse unas risas.

Concluyendo, sólo recomendable para amantes de la mierda con estética y sabor añejo o valientes que quieran introducirse en el submundo del cine de serie Z.

 

LO MEJOR (¿De verdad tengo que intentar sacar algo bueno de este mojonazo? ¿De verdad?)

  • La delirante y abarrotada de detalles premisa inicial.
  • Que pese a ser una producción de 1.981, tiene una estética y ambientación de los años 70 e incluso 60.
  • Que Katherine Victor como Sheila Frankestein tiene cierta clase y no lo hace del todo mal.

LO PEOR

  • Prácticamente todo.
  • Un desarrollo en algunos momentos aburrido.
  • La abultada trama da lugar a cierta confusión que por supuesto, no es explicada
  • Que para un único actor bueno que hay —John Carradine—, no aparezca más de un minuto y encima con su voz doblada.

LA ESCENA

  • La lamentable pelea entre los soldados y el monstruo de Frankestein contra el grupo de amigos protagonistas y sus aliadas amazonas.
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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 7): Fantasticozzi, de Felipe M. Guerra

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Fantasticozzi
  • Año: 2.016
  • Duración: 64 min.
  • País: Italia
  • Director: Felipe M. Guerra
  • Guión: Felipe M. Guerra
  • Fotografía: Martina Dreyer y Felipe M. Guerra
  • Reparto: Luigi Cozzi, Dario Argento, Eliseu Demari, Felipe M. Guerra, etc.
  • Productora: Fantaspoa Produções
  • Género: Documental

 

https://www.youtube.com/watch?v=P43dowfdaqU

 

El miércoles 12 hice doble visita a Brigadoon, y las dos fueron para encontrarme con la misma persona, el gran Luigi Cozzi. Tal y como expliqué en la crítica de “Blood on Melies moon”, el realizador italiano ha visitado el festival para presentar su última producción, y a su vez, la organización decidió proyectar en el mismo día este documental.

fatz4  Con dirección y guión del brasileño Felipe M. Guerra, “Fantasticozzi” —rodado en italiano— permite a Cozzi hablar de sí mismo, de su estrecha relación con Dario Argento, del modo de rodar cine de guerrilla y por supuesto, de su obra cumbre, “Starcrash: choque de galaxias“, una descarada explotation de “Star Wars”, icónica entre los amantes de la caspa y que supuso un enorme éxito mundial al contar con estrellas de talla internacional como Christopher Plummer, Caroline Munro y ¡¡David Hasselhoff!!

El documental también permite explicar al director su obsesión por la ciencia ficción y la fantasía. Ya desde la infancia le encantaban estos dos géneros y su sueño era convertirse algún día en director de este tipo de películas. Lo consiguió, pero a lo largo de cuatro décadas se ha enfrentado a presupuestos ajustados, productores mafiosos y mutilaciones de guión en contra de sus deseos. Su historia, contada a través de sus películas, es la historia de una lucha por rodar unos géneros en un país con poca tradición e interés en ellos.

fatz5   “Fantasticozzi” resume una docena de horas de entrevistas a Cozzi y muestra una gran cantidad de material de sus películas, en ocasiones inédito. Así, podemos ver muchos de sus desconocidos cameos como figurante o secundario en películas de Dario Argento o Mario Bava y se nos da a conocer la manera de trabajar en el cine low cost italiano de los 60 y los 70.

El resultado, pese a ser una única persona hablando todo el rato, es muy divertido y entretenido, ya que Cozzi siempre ha tenido un gran sentido del humor, y pese a que algunas de las cosas de las que habla son duras e incluso tristes, lo hace siempre de forma simpática.

Una buena forma de conocer los entresijos del cine italiano fantástico.

 

LO MEJOR

  • Conocer de primera mano de uno de sus referentes, el fantástico italiano del pasado siglo.
  • El humor y optimismo que siempre derrocha Cozzi.
  • Saber detalles hasta ahora desconocidos de Caroline Munro, David Hasselhoff y del rodaje de la mítica “Starcrash: choque de galaxias”.
  • Ver extractos de sus películas, algunas de ellas casi imposible de localizar.

LO PEOR

  • Que el documental esté protagonizado casi en exclusiva por él mismo y apenas salgan otras voces hablando sobre él.

LA ESCENA

  • Cualquier momento en el que Cozzi salga hablando de su obra cumbre, “Starcrash: choque de galaxias”.
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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 6) Cine Basura: La peli

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Cine Basura: La peli
  • Año: 2.016
  • Duración: 88 min.
  • País: España
  • Director: Paco Fox y Miguel Ángel Viruete
  • Guión: Fernando Hugo y Rodrigo Blanco
  • Fotografía: Christina Moerrath
  • Reparto: Paco Fox, Miguel Ángel Aijón, Natalia Alvarez-Bilbao, Agustín Jiménez, Amarna Miller, etc.
  • Productora: Pecker Audiovisuals
  • Género: Caspa, comedia, ciencia ficción, fantasía, acción, videojuegos

 

https://www.youtube.com/watch?v=jncwDmjPfcA

 

En el anterior artículo os hablé del programa de televisión que se emitía en Canal + Xtra llamado “Cine Basura” y de sus ediciones en directo durante el festival. Os remito a esa entrada para que podáis entender la génesis de este proyecto. Y es que si te pasas muchos años hablando de y analizando aberraciones audiovisuales, al final pueden ocurrir dos cosas: que enloquezcas o que quieras ponerte a dirigir una película mala.

Y esto último es lo que le pasó a Paco FoxMiguel Ángel Viruete —hermano de José Viruete, co-creador de “Cine Basura”—, que al final su nivel de casponita interior creció hasta tal punto que amenazaba con destruir el continuo espacio-tiempo, por lo que se pusieron manos a la obra para traer al mundo “Cine Basura: La peli”, todo lo que los fans de la roña visual anhelábamos que sucediera. ¡Por fin una película casposa española!

Y así fue como nació gracias a una campaña de crowfunding este entrañable ñordo que contiene todo lo negativo que se le puede achacar al cine de serie Z o cine casposo, pero que también ha sido hecho con amor y con mucho más esfuerzo de lo que uno pueda imaginar.

sf4“Dos video bloggers tienen un accidente tecnológico casero, por el cual se abre un portal dimensional que les absorbe y les hace aparecer en medio de la mítica película de serie Z “Manos: The hands of fate”. Tras sobrevivir como pueden, consiguen volver su dimensión. Lejos de estar tranquilos, al regresar comprueban como la cutrez ha invadido el mundo amenazando con destruir el universo. Todo lo que es habitual en el cine casposo se está mostrando en la realidad: zombis, ninjas, dinosaurios, freaks de todo tipo, cromas horribles, F/X de saldo, etc.

Los dos video blogger con la ayuda de una amiga deberán, usando sus vastos conocimientos de cine malo, salvar a la humanidad y al universo de la invasión de la cutrez.”

Sencillamente brillante. Esta genial premisa sirve para hacer un alocado homenaje al cine de serie B y Z; así que la cosa es más profunda y seria que la de “una comedia chunga más”. En verdad, destila amor y pasión por una forma de hacer cine basada en la carencia de talento y presupuesto (no siempre, que también existe la caspa de altos vuelos), pero ojo, que aunque yo esté en contra de la existencia de la caspa intencionada, también admito que hacerlo de este modo, en plan homenaje con referencias continuas, un equipo de gente no profesional y contando con un presupuesto limitado, tampoco puede ser tan fácil.

Y es que el resultado final de los guionistas Fernando Hugo y Rodrigo Blanco y los directores Paco Fox y Miguel Ángel Viruete ha acabado siendo muy divertido y no tan horrendo como podría parecer. Hay mil y unas referencias, tenemos cameos de personalidades del mundo de la caspa española y de la adorable actriz porno Amarna Miller, Natalia Alvarez-Bilbao, que además de pibonazo es una buena actriz, pese a haber rebajado su nivel interpretativo para la ocasión se le sigue notando un enorme carisma escénico (o dicho a modo de “ranciofact”: “enamora a la cámara”) y Paco Fox sorprende, porque aún no actuando y haciendo de Paco Fox, no pierde chispa y se le ve cómodo en la situación. Todo lo contrario a Miguel Ángel Aijón, el otro coprotagonista, que pese a mostrar química con sus compañeros, no destaca mucho por sus habilidades interpretativas (pero que hablando de cine casposo puede decirse que esto es una virtud).

sf3  Sin embargo, la película muestra un problema de fondo, y no tengo muy claro si es la falta de experiencia en un proyecto de esta índole o si ha sido algo buscado, y es que la cantidad de referentes que aparecen forman parte de chistes, gags, secuencias cómicas o como queráis llamarlo, y parece que la risa deba aparecer por acumulación de chorradas y no porque éstas sean graciosas de verdad. O sea, que si al final hiciéramos un listado de todos los momentos cómicos, veríamos que no nos hemos reído con tantos. Pese a esto, es imposible no mencionar la escena en que el trío protagonista se introduce en un videojuego de aventura gráfica noventera tipo “Day of the tentacle”. Una escena de animación con un nivel técnico notable y que hace gala de un humor ingenioso. Lástima que la cinta no haya podido mantener ese nivel de comedia como lo mostrado en la mencionada escena, aunque por otra parte, si lo hubiese conseguido estaríamos hablando de una comedia que pasaría a los anales de la historia por su calidad, y se supone que eso no debe suceder si estamos hablando de cine cutre.

También podría achacar como algo negativo la cantidad de referentes que aparecen y que no siempre son muy evidentes, lo cual obliga a tener que ver la película más de una vez. Pero también es cierto que la persona que se acerque a un producto de este tipo es porque le mola el rollo y tiene la resistencia suficiente como para repetir, por lo que podría considerarse como positivo el hecho de que la película te obligue a repetir su visionado.

En conclusión, sus creadores han conseguido un bonito homenaje al cine cutre y que pese a su alocado desarrollo, el humor por acumulación de gags y querer imitar a lo peor de ese cine, ha terminado siendo un proyecto ni tan cutre ni tan malo, demostrando que hay madera en ese equipo de guionistas y directores para intentar acometer en un futuro un proyecto “más serio”.

Aunque como amante de la caspa, no sé si es lo que querría que sucediera.

 

LO MEJOR (¿De verdad tengo que intentar sacar algo bueno de este mojonazo? ¿De verdad?)

  • La premisa explicada en la sinopsis. Absolutamente brillante.
  • Natalia Alvarez-Bilbao.
  • La siempre adorable presencia de Amarna Miller.
  • La cantidad de referencias y homenajes.
  • Los cameos de personalidades relacionadas con la caspa española.
  • Que Paco Fox haga de Paco Fox en una película con argumento y aún así quede divertido y natural.

LO PEOR

  • Las referencias y homenajes no siempre son tan evidentes, por lo que obliga a verla más de una vez.
  • Diálogos ridículos y efectos especiales lamentables.
  • Que el humor funcione por acumulación de gags en vez de centrarse en unos cuantos menos mejor trabajados.
  • Que como buena película española, no haya la consabida escena sexual.

LA ESCENA

  • Los protagonistas dentro de un videojuego.
  • La ingeniosa aventura en “Manos: The hands of fate”, combinando planos de la misma película con otros que la recrean.
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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 4): Blood on Melies moon, de Luigi Cozzi

Por Albert Sanz

 

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Blood on Melies moon
  • Año: 2.016
  • Duración: 125 min.
  • País: Italia
  • Director: Luigi Cozzi
  • Guión: Luigi Cozzi y Giulio Leoni
  • Fotografía: Francisca Padilucci
  • Reparto: Luigi Cozzi, Sharon Alessandri, Barbara Magnolfi, Dario Argento, Lamberto Bava, David Traylor, etc.
  • Productora: Profondo Rosso
  • Género: Histórico, suspense, metacine, documental

 

 

Luigi Cozzi, también apodado como Lewis Coates, es un viejo conocido del festival. Es, además, una de las figuras claves del fantástico italiano. Y cómo no, su mítica “Starcrash: choque de galaxias” se considera como una de las cumbres del cine casposo, a la altura de otras inframierdas históricas (tan horrendas que no pueden considerarse ni como mierdas) como “Manos: The hands of fate”, “Troll 2” o “Plan 9 del espacio exterior”.

Cozzi formó parte del gran cuarteto italiano del fantástico europeo de los 70 y 80 junto a Lamberto Bava, Mario Bava y Dario Argento. Además de su citada epopeya sci/fi, también tenemos otras joyas de la caspa como son “Contaminación: Alien invade la Tierra”, “El desafío de Hércules” y “Las aventuras de Hércules”, así como un muy destacable y tenso giallo llamado “L´assassino è costretto ad uccidere ancora”— y conocido en el mercado internacional con el título de “The killer must kill again”—.

Tras veintisiete años sin dirigir nada, ha decidido volver al ruedo. Sin embargo, su nombre no ha dejado de estar en boca de ningún aficionado durante todo este tiempo. Festivales dedicados al fantástico y la serie B y Z acostumbran a pasar sus películas —en especial “Starcrash: choque de galaxias”—, en Sitges es habitual verle por formar parte de documentales sobre el cine de género italiano, e incluso, este mismo año y en el mismo día de la proyección de la película de la que voy a hablaros, se estrenó el documental “Fantasticozzi”, dedicado a analizar su carrera, ambos dos en Brigadoon, por supuesto.

Durante todo este tiempo ha escrito varios libros sobre temática cinematográfica y regenta junto con su amigo y mítico realizador Dario Argento la tienda “Profondo Rosso” en Roma; la Meca para cualquier aficionado a la serie B, al cine fantástico y de terror y a la cultura más underground, y la cual posee un sótano llamado “Museo de los Horrores de Dario Argento”, donde el propio ídem narra con su voz escenas clave de sus películas, y en el cual hay objetos y partes originales de sets de rodaje de las mismas.

Toda esta introducción debería estar incluida en la crítica del mencionado documental “Fantasticozzi” que podréis leer en breve aquí, pero era necesaria para tener en cuenta lo mucho que ama y que conoce Cozzi el cine fantástico europeo y entender los motivos para hacer esta película.

as3   Y ahora vamos a por la sinopsis. Pero antes de ello, avancemos conclusiones: es un truño. Un sincero y hermoso homenaje a los pioneros del cine, sin duda, pero realizado de tal modo que dan ganas de arrancarse los ojos con una cucharilla de café hirviendo o suicidarse escuchando en bucle la discografía de Pitbull —colaboraciones incluidas—. ¡¡Y esto os lo dice alguien que considera a “Sharknado 3” la mejor película de esta década!! Y no me duelen prendas al reconocer que he necesitado echar mano de otras webs y blogs no para intentar entender la película, sino para poder escribir una simple sinopsis. Y es que al bueno de Cozzi no se le puede negar la ambición por crear un producto la mar de complejo ajeno a todo concepto mainstream. Vamos allá: “En 1.890, el inventor francés Louis Le Prince, tras patentar una máquina que permite proyectar imágenes en movimiento, desaparece en extrañas circunstancias sin que nunca se sepa qué paso con él y con su invento. Cinco años después, los hermanos Lumière patentan en Lyon una máquina muy similar a la que llaman “el cinematógrafo”: un punto clave de la historia que es reconocido como el nacimiento del cine. En 2.016, el director italiano Luigi Cozzi descubre en el sótano de la tienda Profondo Rosso, que regenta él mismo junto a Dario Argento en Roma, un misterioso libro titulado “What mad universe”. Dicho libro apareció de la nada en el París de 1.890 durante una sesión de espiritismo, en el mismo momento en que los hermanos Lumière se negaron a vender una de sus cámaras patentadas a George Méliès, director francés que la necesitaba para rodar “Viaje a la Luna”. En el libro parece que también se encuentran las pistas sobre la desaparición de Louis Le Prince. Cozzi, entrevistándose con conocidos suyos relacionados con el fantástico europeo, comienza a descubrir detalles secretos sobre los inicios del cine que han sido deformados y ocultados a lo largo de la historia por intereses desconocidos, pero mientras realiza esta investigación, algunas de las personas que le ayudan comienzan a ser asesinadas. El director se verá obligado entonces a viajar al pasado, a 1.890, para encontrar a los hermanos Lumière, a George Méliès y a Louis Le Prince, desentrañar todo este misterio y poder salvar la vida de sus amigos.     Paralelamente a la investigación de Cozzi, un portal dimensional que flota en el vacío del cosmos lanza cada cierto tiempo un imparable meteorito que viaja hacia la Tierra destruyéndola. Las Tierras de miles de universos han desaparecido ya, la siguiente va a ser la nuestra, y el misterio de Louis Le Prince parece tener algo que ver.”

¡Uff! Soy consciente de que tiendo a irme por las ramas, pero de verdad, no he podido realizar una sinopsis más breve, y como podéis comprobar, casi tiene la misma longitud que una crítica estándar.

Tras una idea tan excéntrica como ambiciosa se halla un homenaje a la época de los pioneros, así como un intento de sacar a la luz la no muy conocida figura de Louis Le Prince, al que algunos expertos denominan como el auténtico inventor de la cámara de cine y por tanto, del séptimo arte. La película juega al metacine, saltando continuamente entre la ficción, la realidad y el documental. Ésta última parte sería la más interesante, ya que para ello, Cozzi cuenta con la colaboración de gente del nivel de Dario Argento, Lamberto Bava, Alain Schlockoff —editor de la revista especializada “L´Ecran Fantastique”— o Antonio Tentori —guionista habitual del realizador Bruno Mattei—, todos ellos interpretándose a sí mismos en escenas que son casi una entrevista. La parte de realidad tiene bastante humor, puesto que Cozzi en ningún momento intenta actuar, lo cual se agradece; se muestra tal como es y tal y como pensábamos sus fans que es: un tipo encantador y divertido y auténtico devoto de su trabajo. Pero la parte de ficción es horrenda, con unos efectos especiales que convierten a los de The Asylum en auténticas superproducciones, unas localizaciones mínimas y unos actores por debajo del nivel del de un actor porno. Si a ello le sumamos un escaso presupuesto —la película fue financiada mediante crowfunding—, un desarrollo confuso que parte ya de una premisa compleja y confusa, ciertos momentos que parecen rodados por un amateur y a que, seamos sinceros, Luigi Cozzi nunca ha sido un Coppola precisamente, consigue que estemos ante un enorme mojón. Una película que no sé si catalogar de casposa, puesto que el cine casposo se define como cine malo que divierte, y aquí hay pocos momentos para la diversión y en cambio sí que provoca ganas de suicidarse viéndola.

as2   Creo que el bueno de Luigi Cozzi ha pecado de ambicioso al querer contar una historia tan compleja sin darse cuenta de que necesitaba de más medios y un buen guión. Si se hubiese limitado a realizar un documental que explicase la historia y relación entre Louis Le Prince y los hermanos Lumière y teorizase sobre el inicio auténtico del cine, el resultado habría sido mucho más interesante y con toda seguridad, una pieza imprescindible para estudiosos del tema. Sin embargo, “Blood on Melies moon” no pasa de ser una curiosidad más bien tirando a aburrida. Aunque pese a todo, se agradeció la presencia del director y cómo, tras finalizar el pase en un Brigadoon lleno al máximo, no tuvo problemas en hacerse fotos, firmar autógrafos y charlar con los asistentes.

 

LO MEJOR

  • El homenaje a los pioneros del cine.
  • La colaboración de grandes del fantástico italiano.
  • El hecho de que Luigi Cozzi vuelta a dirigir casi tres décadas después.
  • El sentido del humor del propio director.
  • El ejercicio de cine dentro del cine.
  • Que intente devolver la figura de Louis Le Prince al lugar que se merece.

 

LO PEOR

  • La falta de presupuesto.
  • La excesivamente recargada trama.
  • La larga duración.
  • La interpretación casi amateur de los actores que interpretan a los personajes de ficción.
  • Los espantosos efectos especiales.
  • El confuso desarrollo.
  • El aire de película casera que tiene en muchos momentos.
  • Que el apellido Méliès esté mal escrito tanto en el poster promocional como en el mismo tráiler (motivo por el cual también lo he escrito mal en el encabezado y a lo largo de este artículo, ya que así es como han querido titular a la película).
  • Que muchos esperábamos una nueva “Starcrash: choque de galaxias” tras veintisiete años de pausa.

LA ESCENA

  • Luigi Cozzi se despierta tras una pesadilla en la que le aclamaban como al nuevo Ed Wood de la serie B, y le comenta a su compañera que si fuera cierto, debería ser millonario y famoso en todo el mundo.
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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 3): Beyond the gates, de Jackson Stewart

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Beyond the gates
  • Año: 2.016
  • Duración: 84 min.
  • País: USA
  • Director: Jackson Stewart
  • Guión: Stephen Scarlata y Jackson Stewart
  • Fotografía: Brian Sowell
  • Reparto: Graham Skipper, Justin Welborn, Brea Grant, Barbara Crampton, etc.
  • Productora: Thunder Warrior Productions & Destroy All Entertainment
  • Género: Terror, juegos de mesa, homenaje retro

 

https://www.youtube.com/watch?v=yUaeahD0D5c

 

La expectación excesiva es algo malo —me niego a llamarlo “hype”—, sobre todo cuando te encuentras ante un producto mediocre. Eso pensé al salir de su visionado en un Retiro lleno al máximo de su capacidad y ver cómo las urnas de 1 y 2 puntos —este film era de los que el público votaba— se llenaban mayoritariamente de papeletas, mientras que las de 3, 4, 5 permanecían casi vacías.

Y es que de nada sirve apelar al amor por el sistema VHS, ni contar con la presencia de la veterana especialista en el género Bárbara Crampton —“Space Trukers”, “Trancers II”, “Re-Animator”, etc.— o con la adorable Bea Grant —“Dexter”, “Halloween II” —la de Rob Zombie—, “Heroes”, etc.—, ni acompañarlo de música retro tecno ochentera a cargo de Wojciech Golczewski, ni el gore humorístico, ni querer enmarcarla en la corriente actual de nostalgia ochentera intentando hacer que juegue en la misma liga de “Kung Fury”, “Strangers things” o “Turbo Kid”. No, nada de esto sirve si luego el resultado es una película lenta interpretada por una pareja de actores sin carisma y que por momentos parece una cinta amateur.

Y que conste que no echo la culpa al simple guión o a la planicie de sus personajes; al fin y al cabo muchas de las películas que pretende homenajear también lo eran, pero por norma general entretenían, cosa que no consigue esta.

3ac   ¿Y de qué va “Beyond the gates”? Pues de esto: “Bob, padre de familia y dueño de un videoclub especializado en VHS, desaparece sin ningún motivo. Tras casi un año, sus hijos Gordon y John deciden poner en venta el local, por lo que se reúnen tras mucho tiempo separados y comienzan a embalar todo el material. En el despacho del padre, se dan cuenta de que antes de desaparecer había estado jugando a un juego de mesa de los años 80, que iba acompañado de una cinta de vídeo; en dicha cinta, la enigmática Evelyn guía al jugador por las diferentes fases. Intentando hallar una respuesta a la desaparición de su padre, los dos hermanos junto a Margot, la novia de Gordon, comienzan una nueva partida. Lo que no saben es que… blablablá… horror… blablablá… maldición… blablablá… pesadilla sin salida… blablablá… muerte… blablablá… infierno… blablablá.”

O sea, un argumento auténticamente ochentero. Una idea sencilla y que rodada en la década correcta por un Coscarelli, un Craven o un Carpenter, habría podido ser una joya. Pero a Jackson Stewart se le ha notado que éste es su debut en la dirección, ya que hasta el momento apenas había guionizado algunos cortos y un par de capítulos en series (aunque uno de ellos pertenece a la exitosa “Sobrenatural”).

La ilusión de Stewart por recrear una época y aportar muchos detalles no ha logrado evitar que el producto haya sido mediocre. Aunque si es por ambientación, estamos ante un gran producto, comenzando con ese genial videoclub que tiene todo el aspecto de ser real. (Permitidme un inciso. A modo de complemento, recomiendo el visionado del documental “Rewind This!” —Josh Johnson, 2.013—, en el que se detalla como a día de hoy, en USA todavía existen multitud de macrovideoclubs (estilo cadena BlockBuster) especializados en VHS y que aunque parezca inaudito, sobreviven con muchos beneficios y una legión de clientes.) La banda sonora es excelente. Los toques de gore son contados pero del gore divertido y exagerado a lo “Braindead”. Y el personaje de Bárbara Crampton y su interpretación, aunque puedan parecer ridículos en este momento, viéndolo desde una óptica ochentera, transmiten morbo y tensión a partes iguales.

Por lo tanto, hay cosas buenas aunque no consiguen enderezar el producto. Se juega al terror más inquietante, serio y elaborado, pero también a la vez al frikismo más casposo y a la comedia negra, y falla al no encontrar su tono en momento alguno, además de no saber administrar los tiempos, al contar con una escena movida para pasar a otra larguísima sin que suceda nada. Y podríamos hablar también de Graham Skipper y Justin Welborn, la pareja de hermanos cliché —el serio y responsable con la vida resuelta y el vividor y aventurero que no echa raíces—, interpretados con absoluta desgana y sin química entre ellos.

4ac Una auténtica lástima ya que lo tenía para ser una obra de culto, pero también reconozco que es una película que de aquí a un tiempo me gustaría visionarla de nuevo para ver si sigo opinando lo mismo o le pillo el encanto.

Por cierto, tanto su director Jackson Stewart como Brea Grant y Barbara Crampton presentaron la película. Cabe decir además, que Crampton recibió por parte de la organización el premio “Màquina del Temps” por toda su carrera en el cine de género y que también fue la madrina y dio el pistoletazo de salida a la tradicional “Zombie Walk”.

 

LO MEJOR

  • El homenaje a los 80.
  • La banda sonora retro futurista, ideal para fans de Wendy Carlos, Jan Hammer, Tangerine Dream, Mitch Murder y Betamaxx.
  • La enigmática presencia de Barbara Crampton.
  • La capacidad de Brea Grant de sobresalir en todo momento por encima de sus compañeros de reparto.
  • La sinopsis, digna del cine de terror ochentero más entrañable.
  • Las escenas gore divertidas y exageradas.
  • ¡¡Cintas de VHS!!

LO PEOR

  • La planicie y nulo desarrollo de personajes.
  • La desgana de Graham Skipper y Justin Welborn y la nula química entre ellos.
  • Lo aburrido y carente de tensión de gran parte de su metraje.
  • Que no consigue encontrar su tono: ni es suficientemente terrorífica ni suficientemente freak.

LA ESCENA

  • Cuando los dos hermanos se pasean por el videoclub y los espectadores intentamos leer los lomos de las cintas para comprobar si hemos visto alguna de esas películas.
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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 2): Anguish, de Sonny Mallhi

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Anguish
  • Año: 2.015
  • Duración: 91 min.
  • País: Inglaterra
  • Director: Sonny Mallhi
  • Guión: Sonny Mallhi
  • Fotografía: Amanda Treyz
  • Reparto: Ryan Simpkins, Annika Marks, Karina Logue, Ryan O’Nan, etc.
  • Productora: Anguish Film
  • Género: Drama indie, terror, posesión, espíritus

 

https://www.youtube.com/watch?v=eg_NriAfV8E

 

Martes. 7:35 de la mañana. Aún amaneciendo. Servidor caminando por las solitarias calles de la zona residencial de Sitges y decidiendo si ver “The eyes of my mother” en el Prado o “Anguish” en el Retiro, ya que los primeros pases de cada día son abiertos a la prensa sin necesidad de solicitar acreditación. Cruce de whatsapps’s con la amiga Karakia de nuestro blog hermano “Primer Pase” para saber cuál va a ver ella y así optar por su opción, y rezar porque no hubiese decidido ir a ver “The handmaiden” en el Auditori Melià. No. Proyectar películas en el Auditori Melià a las 8:15 debería de estar prohibido. De hecho, debería estar prohibido a cualquier cine del mundo proyectar películas a esa hora. Karakia decide que la almohada será la mejor compañía durante esa mañana. Gran elección, pero yo ya estoy en movimiento así que no voy a volver atrás. Opto por la opción vaga: Retiro me queda a un minuto menos de camino que Prado. Craso error…

Anguish” supone el debut en la dirección de Sonny Mallhi, guionista de “Crush” y “The roommate”, y con una interesante carrera como productor —“Retratos del más allá”, “Los extraños”, “La casa al final de la calle”, etc.— y se adentra en esta primera incursión en el cine de espíritus y posesiones. Sin embargo, lo hace con una producción  indie, con todo lo malo y bueno que ello tiene.

 3sa   “La adolescente Lucy viaja en coche con su Sarah, su madre. Ambas discuten porque ésta no quiere dejarla asistir a una fiesta. Lucy, enfadada, se baja del coche en medio de la carretera y es atropellada muriendo en el acto. En aquel lugar, una cruz y una foto dan testimonio de la tragedia acaecida. Años después, Jessica, una madre divorciada, acepta un trabajo en la fábrica del pueblo donde vivió Lucy y se traslada allí con Tess, su hija también adolescente, la cual lleva desde los cinco años en tratamiento por esquizofrenia y desórdenes de la personalidad. Cuando Tess descubra la zona del accidente, comenzará para ella un descenso al horror y la locura que hasta ahora controlaba con el tratamiento médido. Y es que su enfermedad es en realidad un don, ya que puede comunicarse con los muertos. Y de ese don querrá aprovecharse Lucy, que anhela volver a la vida”.

¿Cómo mola, verdad? ¡Pues no! Y es que de una película de hora y media —contando títulos de crédito— que parte de un material de primera, con buenas interpretaciones, una trama de lo más interesante, una ambientación gris y asfixiante y un marcado carácter femenino, sólo se salven quince minutos, ya indica que algo ha fallado.

No estoy en contra de las películas lentas. Hay planos que cuentan mucho aunque el tempo de la escena sea lento, pero esto no ocurre en “Anguish”. Bueno, sí que pasa. Hay sustos e intentos de susto —de esos de los que crees que va a pasar algo pero luego no sucede nada— hasta el hartazgo, y cuando viene la parte intensa apenas dura un cuarto de hora. Lo gris e impersonal de las localizaciones ayuda a esa sensación de tedio. Aun siendo una película inglesa, ha sido hecha en USA y los lugares de rodaje muy bien elegidos: el clásico pueblo que vive de una fábrica cercana donde parece no haber un futuro fuera de allí. También ayuda, cómo no, la carencia de personajes y situaciones variadas, ya que gran parte del metraje nos muestra a Tess paseando y descubriendo el pueblo.

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Sobre las interpretaciones, no tengo muy claro si a Ryan Simpkin le falta un hervor o hace un papelón porque su personaje es así fruto de la enfermedad, ya que salvo en la parte final en que es poseída por Lucy, no es que actúe mal, es que directamente no actúa. Incluso cuando parece que va a haber una escena de terror, la chica ni se inmuta. Todo lo contrario a Annika Marks —Jessica— y Karina Logue —Sarah—, que pese a interpretar unos papeles secundarios, protagonizan un emotivo duelo interpretativo en la recta final.

Pese a la caña que le estoy dando, merece la pena mencionar la originalidad en el planteamiento del tramo final de la película. ***SPOILER Los poderes como médium de Tess se desarrollan al máximo y gracias ello, Lucy consigue poseer su cuerpo y volver con su madre, pero ésta logra convencerla de que lo devuelva y se vaya al más allá. Cuando lo hace, el siguiente espíritu en “la lista” que rondaba por allí posee el cuerpo, impidiendo el retorno de Tess y obligando a Lucy a expulsarlo e introducirse de nuevo, para evitar que otro espíritu que no sea el de Tess entre. FIN DEL SPOILER*** Dicho planteamiento me parece de una originalidad brutal y que no se ha visto (creo) hasta ahora. Bien desarrollado, dándole la importancia debida en el metraje y confrontando la parte paranormal con la médica —algo que ya sucede pero en poca medida—, nos habría permitido disfrutar de un extraordinario thriller de suspense y terror; pero no, lo que vemos son más de 70 minutos de una adolescente sola, sosa y aburrida, paseando por un pueblo gris y aburrido, con algún ocasional susto, para pasar a un dinámico y tenso cuarto de hora final.

Está bien eso de querer transmitir al espectador lo que siente su personaje principal, pero si la vida de éste es aburrida y carente de emoción (porque incluso las escenas de miedo están tratadas de un modo que no emocionan ni son capaces de alterar ni a Tess ni al espectador), no es muy apetecible tragarnos tres cuartas partes de película aburrida y carente de emoción.

El hecho de que Sonny Mallhi quiera dotar a su film de la naturalidad y sinceridad del cine indie contrasta con el intento de crear una nueva “El sexto sentido”, y aunque nada dice que no pueda existir un drama indie sobrenatural, Mallhi no es Shyamalan y el resultado ha sido bastante coñazo.

LO MEJOR

  • La fotografía y localizaciones, grises y tristes, acentuando la sensación de agobio y monotonía de los que no se atreven a dejar el pueblo.
  • Las emotivas y sinceras interpretaciones de Annika Marks y Karina Logue.
  • El interesante tramo final.
  • El aire indie de la película.

LO PEOR

  • La falta de hervor y sangre en las venas de Ryan Simpkins.
  • El tratamiento de las escenas de sustos y “sustos que al final no lo son”, hecho de un modo que no crean tensión ni inquietud en el espectador.
  • La lentitud exasperante.
  • No dar ningún tipo de explicación a la parte paranormal de la historia.
  • No haber desarrollado o tomar como elemento principal en la historia el tramo final.

LA ESCENA

  • Todo el citado tramo final de la película.

Las críticas Sitges 2016 (Episodio 1): 31, de Rob Zombie

Por Albert Sanz

 

INTRO

 

Muy buenas. Mil disculpas por el retraso en publicar las crónicas de esta edición de nuestro festival favorito. Comenzamos en este primer artículo con una introducción a modo de repaso general y la primera de las críticas.

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Como suele pasar en un festival que estrena más de doscientas películas, uno no siempre acierta con lo que va a ver. De hecho, el sistema para elegir lo que uno va a ver es decidirse lo primero por las pocas que tengan un cast y/o un director/guionista famosos y que te gusten, o bien porque hayan tenido una buena promo previa, y el resto… pues leer la sinopsis, pasar de investigar demasiado y lanzarse a la piscina a ver qué es lo que cae. Y lo cierto es que he tenido bastante suerte en esta ocasión. Algún truño me he comido, inconscientemente —“Anguish” o “Beyond the gates”— o peor aún, de forma consciente y con premeditación —“Double Dragon”—, pero en general he salido bastante satisfecho.

También he tenido suerte en esta ocasión ya que ha coincidido en que varias de las películas vistas han sido premiadas. Aunque como siempre, en esto habrán disparidad de opiniones, pues pese a que considero justo el premio a mejor dirección novel otorgado a Julia Ducournau —la cual ya había dirigido con anterioridad un telefilme— por “Raw”, no estoy de acuerdo en que la mejor película del festival haya sido “Swiss army man”, pese a la originalidad de su planteamiento, las toneladas de caspa que rezuma y ver a unos Daniel Radcliffe y Paul Dano a un nivel interpretativo casi sobrenatural. Como también discrepo en el premio otorgado a mejor actriz a la pequeña Sennia Nanua por “Melanie: the girl with all the gifts” tras ver a la aún más joven y adorable Soo-an Kim en “Train to Busan”. Y puestos a ser puñeteros, también discrepo del premio otorgado a mejor fotografía otorgado a “The wailing” después de haber alucinado con la épica “Hardcore Henry”, la cual debería haber ganado además a mejor montaje (aunque parece ser que no merecía ningún premio, puesto que no optaba a concurso). En cualquier caso, discrepar de las películas premiadas no invalida el disfrute de sus respectivos visionados y ayuda a poder realizar unas muy interesantes friki-discusiones con los colegas.

Antes de finalizar esta intro, quisiera destacar un par de puntos sobre todo lo visto. El primero es el gran nivel interpretativo femenino. Es cierto que de más de doscientas películas proyectadas, las veintidós que yo vi tal vez no sean un tanto por ciento significativo, pero la verdad es que me he topado con actrices conocidas fuera de su zona de confort habitual como Meryl Streep, Juanita Ringeling o Noomi Rapace, jóvenes promesas con un gran futuro por delante como Garance Marillier y las mencionadas Sennia Nanua y Soo-an Kim, y secundarias de lujo como Annika Marks y Karina Logue, y todas ellas han rallado la excelencia en sus respectivos papeles.

Y el segundo punto a destacar sería lo que denomino como “efecto Lost” o “me importa una mi…. que no te enteres”. Y es que de un tiempo a esta parte, estoy viendo un fenómeno que me saca de quicio, y que normalmente se da en el género de suspense o terror: el no explicar nada. Estoy de acuerdo en que Hollywood tiene lobotomizado el cerebro a muchas personas con productos clónicos y previsibles, y no está nada mal en enfrentarnos de tanto en tanto con producciones que te hagan pensar, que no te lo den todo hecho. Films como “Memento” o “Mullholland drive” te hacen comerte la cabeza pero puedes establecer algún tipo de teoría sobre lo visto. Sin embargo, el “efecto Lost” visto en, por ejemplo, la multipremiada “It follows”, sería el tipo de historia cuyo guión no explica nada de lo sucedido y lo que es peor, tampoco da pistas o claves para que te montes tu propia película mental. Pero ojo, que la situación es todavía más lamentable, porque encima estamos hablando de películas muy bien hechas a casi todos los niveles y con unos elevados niveles de tensión, suspense y “nopuedoapartarlamiradadelapantallaostiaquebienmeloestoypasando”. O sea, que estamos ante unos guionistas y directores que conocen todos los resortes del entretenimiento, que te ofrecen un producto distinto y bien hecho pero que se centran únicamente en la parte estética olvidando (o queriendo olvidar) que están contando una historia y que ésta ha de ser explicada en algún momento o que pueda intuirse lo sucedido. Y puestos a poner nombres, pues mi mosqueo vino con la tensa road movie “Sam was here” y la ciencia ficción terrorífica de “Shortwaves” (en la que el “efecto Lost” no es tan pronunciado, pero las pocas explicaciones dadas en su argumento generan más dudas que otra cosa).

Y poco más puedo añadir a modo de resumen, así que vamos a  por las críticas que tito Athman irá subiendo a lo largo de los próximos días. Eso sí, los que me conocen, que no piensen que paso por alto todas las actividades relacionadas con “Star Trek”, pues a eso ya llegaré cuando toque hablar del visionado de “Star Trek: La película (Director’s cut)”.

 

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 FICHA TÉCNICA

  • Título original: 31
  • Año: 2.016
  • Duración: 102 min.
  • País: USA
  • Director: Rob Zombie
  • Guión: Rob Zombie
  • Fotografía: David Daniel
  • Reparto: Sheri Moon Zombie, Jeff Daniel Phillips, Meg Foster, Malcolm McDowell, Pancho Moler, Ginger Lynn Allen, etc.
  • Productora: Spookshow International
  • Género: Survival horror, gore, drama

 

 

Vamos directos al grano. “31” es la peor película de Rob Zombie. Y a la vez, una de las películas vistas durante el festival que más me han entretenido.

“Lords of Salem” dividió a la audiencia, ya que Zombie se mostró como un maestro a la hora de crear un ambiente onírico, decadente y de pesadilla, pero se le atragantó el querer dotar a su historia de un contenido profundo y metafísico, casi de arte y ensayo, haciendo que lo que podría haber sido una de las películas de terror más malrolleras de la historia, acabara siendo a ratos incomprensible y aburrida. Pero ahora nos presenta “31” y se deja de tonterías: desarrollo de personajes inexistente, explicación a las motivaciones de los villanos inexistente, giros de guión que puedan sorprender inexistentes y argumento simple hasta decir basta. Todo ello para poder ofrecer muerte, sangre, destrucción, violencia gratuita y rock and roll setentero desde el primer cuarto de hora.

La sinopsis vendría a ser algo así: “un grupo de actores que cruzan el desierto en su furgoneta son secuestrados por unos encapuchados y llevados a una enorme fábrica, donde durante doce horas serán perseguidos por un grupo de asesinos de lo más variopinto, dirigidos por un trío de ricachones que se divierten apostando. Y tendrán doce horas para morir o matar.” Complicado, ¿eh?

sa4   Zombie ha hecho este remake oficioso de la ochentera “Perseguido” de Arnold Schwarzenegger en clave gore, y que la emparenta en su simpleza con sus dos primeros films —“La casa de los 1.000 cadáveres” y su secuela spin-off “Los renegados del diablo”—; y si bien “31” no posee ni la creatividad ni los diálogos ingeniosos de estos dos films mencionados, logra algo muy grande y que demuestra que estamos ante un gran director de actores: que partiendo de un material tan pobre, empaticemos con los personajes protagonistas, suframos con ellos y odiemos a los malos.

Y por supuesto, aunque es algo a lo que ya estamos acostumbrados, hay que destacar la galería de personajes freaks que pueblan la película, encabezados por Sick-HeadPancho Moler—, un delirante Hitler enano mexicano que habla casi todo el rato en español —en la versión original— y Doom-Head, un inmenso Richard Brake al cual habréis visto tal vez sin saberlo como el líder de los caminantes blancos de “Juego de Tronos”, y que interpreta a uno de los asesinos más carismáticos que haya visto jamás.

En conclusión, que nadie intente encontrar algo profundo en “31”, puesto que no es más que un espectáculo superficial, pero eso sí, también es un espectáculo tenso, dinámico, angustioso por momentos y muy entretenido, y todo ello envuelto en la personal estética e iconografía de Rob Zombie.

Y la conclusión de la conclusión, tres palabras que definen a la cinta: Sheri Moon Zombie. ¡UFF!

 

LO MEJOR

  • La galería de villlanos freaks, encabezados por Sick-Head y Doom-Head.
  • Las interpretaciones de Pancho Moler y Richard Brake.
  • Que pese a estar adscrita al género de terror y a todo lo que haga su marido, Sheri Moon Zombie demuestra una vez más su variedad de registros interpretativos.
  • Que Rob Zombie no pierde fuerza con los años y aún sigue impactando.

LO PEOR

  • Una premisa simple con un desarrollo aún más simple.
  • Haber desaprovechado de tal manera la siempre inquietante presencia de Malcolm McDowell.
  • No conocer absolutamente nada de los villanos ni por qué iniciaron este macabro juego.
  • Que Rob Zombie siga potenciando el indudable morbo sexual de su mujer, consiguiendo que en algunos momentos, los más salidos como yo no nos fijemos en su intensa interpretación.

LA ESCENA

  • Cualquier plano en el que aparezca Sick-Head.
  • El monólogo inicial de Doom-Head.

PD: ¿Alguien puede decirme cuando aparece la gran Ginger Lynn Allen? Porque por más que me fijé fui incapaz de ubicarla.

 

#SitgesFest2016 Resumen 08-10-2016

Jóvenes creadores de ESCAC, UAB y ECIB obtienen los Premios SGAE Nova Autoria 2016 al mejor guion, la mejor dirección-realización y la mejor música original.

sit1Carla Guimarães es la autora del guion seleccionado del IV Laboratorio de Escritura de Guion Cinematográfico, dedicado al Cine Fantástico, de la Fundación SGAE  

Las resoluciones se han hecho públicas dentro de la sección Nuevas Visiones del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya Sitges 2016

http://sitgesfilmfestival.com/cas/noticies/?id=1003382#01

La Sitges Zombie Walk, la realidad virtual de Samsung Sitges Cocoon y las series de televisión protagonizan la segunda jornada del Festival.

sit2Hoy ha sido el día de los zombies en Sitges. Miles de ellos se han apoderado de las calles con motivo de la Sitges Zombie Walk y han participado en las diferentes proyecciones programadas con títulos del género. Pero este sábado, el Festival ha ofrecido mucho más, como los títulos The Void y The Love Witch –ambas en la Sección Oficial a competición–, la presentación de Samsung Sitges Cocoon –el espacio y sección dedicada a la realidad virtual–, el pistoletazo de Serial Sitges –acompañado de la presentación de las series de Movistar+ para esta temporada– y la entrega de premios de SGAE Nova Autoria –que distingue los trabajos de los jóvenes talentos de las escuelas de cine na de Catalunya–, entre muchas otras propuestas que han llenado la parrilla.

La playa de Sant Sebastià ha saludado durante todo el día los primeros zombies, que esta tarde han salido en manifestación ordenada por las calles de centro tras el pistoletazo de salida que ha dado la célebre actriz Barbara Crampton, Premio Máquina del Tiempo en esta 49ª edición.

En la Sección Oficial a concurso, hoy se ha presentado la producción canadiense The Void. Con referencias al cine de Carpenter, al universo de Lovecraft y a las películas del británico Clive Baker, el fim está dirigido por Steven Kostanski y Jeremy Gillespie, procedentes ambos del mundo de los efectos de maquillaje y del diseño visual. En rueda de prensa, tanto Guillespi como Kostanski han comentado que su principal objetivo ha sido “crear una película como las que se hacían antes de la llegada de los efectos digitales”. Con un guión que se desgrana como las piezas de un puzzle con el ánimo de provocar un efecto de misterio en el espectador, la película da paso a la llegada de los protagonistas a un hospital a ese cine de monstruos no tan lejano, que no han sido creados por un ordenador. “Nuestra forma de trabajar ha sido muy diferente de la que se emplea hoy en día, pues hemos dedicado más tiempo a la pre-producción del film y a la creación de la criatura, que a la post producción”.

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Además en la Sección Oficial se ha presentado The Love Witch, una película que explora las fantasías femeninas a partir de una puesta en escena que recuerda a las películas clásicas de los años sesenta filmadas en Technicolor. La estadounidense Anna Biller ha señalado que, “tras leer el ensayo El placer visual dentro del cine, que aboga porque el cine está hecho únicamente en busca del placer masculino, quise reivindicar que el placer en el cine no sólo es para los hombres, también se puede hacer una película pensando en la sensibilidad femenina”. Interesada en la mitología clásica y en el empleo del lenguaje cinematográfico, Biller ha definido su película como “un cuento de hadas creado en un entorno psicológico”.

Sitges ha saludado hoy al realizador Colin Trevorrow, que ha regresado al Festival donde ha ofrecido una clase magistral tras dirigir la superproducción Jurassic World. Trevorrow ya estuvo en Sitges 2012 –sin ningún ruido mediático– para presentar la producción independiente Safety Not Guaranteed, que le significó su gran espaldarazo en la industria al ser nominada a los Spirits Awards. Hoy, el ya reconocido director ha subrayado que “lo importante al realizar una película es intentar que sea universal. Que el mensaje pueda ser entendido por un joven que vive en California, o en Barcelona, o en una gran urbe china”.

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También ha tenido lugar hoy la presentación de la nueva sala que Sitges inaugura este año, la Samsung Sitges Cocoon, dedicada a la realidad virtual. Eduardo Rodríguez, director Samsung, ha apuntado que “la tecnología de realidad virtual es una herramienta súperpotente en todos los sectores de la sociedad, desde el de la medicina, hasta el de la distribución”. En ese sentido, ha continuado Rodríguez, “si nos referimos al mundo del cine, la colaboración con el Festival de Sitges era un básico y estamos encantados con la experiencia y con la creación de esta nueva sala como una alternativa más de ocio y disfrute dentro del Festival”. Por su parte, el director Nacho Vigalondo, que se ha sumado a esta iniciativa de Samsung dirigiendo uno de los cortos que forman parte de la programación de esta nueva sala, Ceremony, ha resaltado que se ha sentido “un privilegiado por hacer esta pieza”, su primera experiencia con el VR 360 (realidad virtual de 360 grados). Vigalondo ha comentado que “me lo he pasado bomba en el rodaje, aunque ha sido un esfuerzo de coordinación increíble”. Durante los próximos días, la sala –que convierte así a Samsung en colaborador tecnológico del Festival– ofrecerá ocho cortos de realidad virtual.

Movistar+, socio multimedia del Festival, ha presentado esta mañana su temporada de series, en el marco de la sección Serial Sitges –patrocinada por Fnac– de este año. El equipo del programa Pool Fiction, junto a Miguel Salvat, director de Contenidos Premium de Movistar+, han descrito la oferta televisiva que ofrece el canal, y ha presentado las series que el canal incluye en Serial Sitges, como Likely Stories, Penny Dreadful, Timeless o Mr. Robot. Cristina Teva, la voz y la imagen del cine en Movistar+, ha subrayado por su parte “la apuesta del Festival por la proyección de series de televisión en salas”, a la vez que ha señalado “la intención de Movistar+ Xtra de acercar el Festival de Sitges a sus espectadores”. Movistar+ Xtra se ha convertido este año en un canal tematizado dedicado a Sitges.

La segunda jornada de Sitges 2016 ha acogido otras presentaciones y coloquios en la carpa Fnac y ha iniciado también las proyecciones en su cine al aire libre del Hort de Can Falç. Además, en el Prado se ha procedido a la entrega de Premios SGAE Nova Autoria, que forman parte de la sección Noves Visions del Festival y que ha premiado trabajos de distintas escuelas de cine de Catalunya. La agenda de hoy en Sitges también tiene una cita especial: la proyección en el Retiro de Aliens: El regreso, que 30 años después se podrá ver de nuevo en el Festival y con traducción simultánea, tal como se hizo en 1986 en la misma sala.

http://sitgesfilmfestival.com/cas/noticies/?id=1003379#01

 

 

#SitgesFest2016 Resumen 07-10-2016:’Inside’ y Max Von Sydow protagonizan la jornada inaugural de Sitges

El corto ‘En tu cabeza. Parte II: Milagros y remedios’, dirigido por Borja Cobeaga y producido por Gas Natural Fenosa, se ha presentado también en la Gala de Inauguración de la 49ª edición

sit5La esperada producción Inside, de Miguel Ángel Vivas, película inaugural de la 49ª edición del Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, ha protagonizado la gala de apertura junto a la entrega del Gran Premio Honorífico al actor Max Von Sydow. La sesión se ha completado con la presentación y proyección del cortometraje En tu cabeza. Parte II: Milagros y remedios, dirigido por Borja Cobeaga, una producción de Cinergía. Gas Natural Fenosa, dentro de su proyecto Consumo responsable. 

Inside, cuarta película del director sevillano Miguel Ángel Vivas y remake de la cinta de culto francesa À l’intérieur, se ha presentado hoy en el Festival, con la presencia de su realizador; la actriz principal, Rachel Nichols, y el productor Adrián Guerra. Según Miguel Ángel Vivas, Inside “es una película sobre mujeres; quería plantearme algo que nunca llegaré a comprender, que es el hecho de la maternidad”. Porque en el film el espectador acompañará a Sarah, protagonizada por Nichols, durante una noche a la espera del inminente nacimiento de su hijo. Una noche que se convertirá en una auténtica pesadilla cuando alguien irrumpe en su casa dispuesto a arrebatarle a su bebé nonato. En definitiva, ha apuntado Miguel Ángel Vivas, “en Inside hablo de los temas que siempre toco en mis películas: de la familia, del hogar y de cómo se rompe el núcleo familiar.”

Precediendo a la proyección de Inside, el público de la gala inaugural ha podido asistir también a la presentación del cortometraje producido por Gas Natural Fenosa, patrocinador del Festival, En tu cabeza. Parte II: Milagros y remedios. La película se enmarca dentro del proyecto Cinergía, una iniciativa creada para divulgar la eficiencia energética a través del cine. Según palabras en rueda de prensa de Adenai Pérez, directora de patrocinios de Gas Natural Fenosa, “este proyecto trata de la capacidad de crear eficiencia energética y convertirlo en algo divertido”. Este segundo cortometraje, de un conjunto de cuatro cortos en total, cuenta con guión de Daniel Sánchez Arévalo y dirección de Borja Cobeaga, quien acompañado por Jordi García Tabernero, director de Comunicación y Gabinete de Presidencia de Gas Natural Fenosa, y parte el equipo artístico de la película, ha comentado que “ha sido una experiencia muy divertida de rodar y la excusa perfecta para poder estar en el Festival de Sitges, ya que el corto es un guiño al género del terror”.

En la Gala Inaugural de Sitges 2016, también se ha procedido a la entrega del Gran Premio Honorífico de Sitges 2016 al gran actor sueco Max Von Sydow. En rueda de prensa, el director del Festival, Ángel Sala, lo ha presentado como “una de las figuras que me ha acompañado toda mi vida de cinéfilo, con lo que es un honor que esté aquí en Sitges para recibir el premio”. Max Von Sydow, con más de 150 películas en su carrera y actor emblemático de directores como Ingman Bergman, Sydney Pollack, Steven Spielberg o Martin Scorsese, ha comentado que “son muchos los films de los que guardo grandes recuerdos, pero si he de escoger uno me quedo con Pelle, el conquistador, no solo por el personaje que interpreté sino también por la historia, una historia acerca de la intención de devolver la dignidad a la gente trabajadora”

Dentro de la Sección Oficial a concurso hoy se ha presentado la producción española Proyecto Lázaro, film de ciencia ficción del canario Mateo Gil. Conocido por su colaboración con Alejandro Amenábar en los guiones de Abre los ojos o Mar adentro, entre otros, llegó a la historia de Proyecto Lázaro de una forma muy peculiar: “escribí el guión a lo largo de un verano y volqué en él muchas reflexiones personales; cuestiones que me atenazaban desde el rodaje de Abre los ojos, como el miedo a la muerte, o, más aún, el miedo a la vida”, ha dicho Mateo Gil en rueda de prensa. La película –definida por el director como “una historia de amor disfrazada de una película de ciencia ficción”– está protagonizada por Tom Hughes y Oona Chaplin. La actriz, que ha acompañado en la rueda de prensa al director, ha alabado su personaje por “permitime valorar la esencia de los pequeños momentos que conforman una relación. Momentos que con el paso del tiempo, cobran su verdadera dimensión”. Proyecto Lázaro se estrenará en las pantallas españolas en enero de 2017 y en palabras de su productor, Ibon Cormenzana, que también ha asistido al Festival, “más allá del género, la película nos cuenta una historia de amor entre dos personajes”.

Hoy también en Sitges 2016 se ha iniciado la amplia oferta de actividades paralelas que ofrece el Festival. En la carpa FNAC, J.A. Bayona ha presentado el libro Un monstruo viene a verme: El arte de la película y la visión de sus autores, escrito por la periodista y crítica cinematográfica Desirée de Fez. Bayona también ha mantenido un encuentro con los estudiantes que han acudido por la mañana a la proyección para escuelas de Un monstruo viene a verme en el Auditori Meliá Sitges.

sit6Además, hoy se han puesto en marcha las actividades de industria que Sitges 2016 ha organizado para esta edición dentro del Sitges Film Hub. Por la mañana ha tenido lugar el encuentro con seis líderes chinos del sector audiovisual: un acto de networking del programa Líderes chinos del mañana con distintas asociaciones de productores audiovisuales de Catalunya. Por la tarde, se ha presentado Perder el miedo (a invertir) en cine, una guía de divulgación realizada por el Ayuntamiento de Sitges dirigida a inversores no tradicionales de cine que explica las claves de la inversión a riesgo o por deducción fiscal.

Las distintas proyecciones se han sucedido a lo largo del día, donde los equipos de películas como Colossal o Hunger Diaries han presentado sus respectivas propuestas.