La atmósfera post-apocalítica de ‘Mad Max’ invade Sitges.
La actual edición del Festival mirará hacia el fantástico de 1979 y recuperará títulos de la exploitation italiana de ciencia ficción.
| Un artículo de Cristina Béjar Hola a tod@s incoherentes. Ya tenemos aquí novedades sobre la 52ª edición del Festival de Sitges: Sitges 2019 respira polvo del desierto y hierro oxidado. La próxima edición del certamen –del 3 y el 13 de octubre– celebrará el 40 aniversario de Mad Max. Salvajes de la autopista, de George Miller. Una efeméride que ha inspirado el cartel, una retrospectiva y el libro oficial del Festival y que impregnará Sitges durante once días. La primera entrega de la saga distópica más emblemática de la historia del cine protagoniza el cartel de Sitges 2019, con el sello de la agencia China. «En la imagen, aparece un coche destruido por el óxido, abandonado en medio de un desierto infinito, sin rastro de ningún personaje. Una composición enigmática, simple y contundente, que bebe de una iconografía tan inconfundible como la saga de Miller y su paleta cromática de naranjas, ocres y amarillos. Se trata de un homenaje a una obra con un universo gráfico único, que se presta como pocos al formato sintético e icónico de la cartelería”, explica el director creativo ejecutivo, Rafa Antón. El fenómeno Mad Max, llegado de Australia, se vivirá en cada rincón de Sitges con entusiasmo y también conmemorará los 40 años de un título icónico del cine de género de 1979: Alien, el octavo pasajero, de Ridley Scott, un film que marcó una época y que continua bien presente en la actualidad, reuniendo a una legión de fans. De la misma manera, otros homenajes a cintas esenciales del fantástico tendrán su espacio para el recuerdo en Sitges 2019. Exploitation italiana La retrospectiva Apocalypse domani recogerá títulos clave de la exploitation italiana de ciencia ficción desarrollada a finales de los años 70 como consecuencia del éxito de títulos estadounidenses como Star Wars, Alien o 1997: Rescate en Nueva York, pero sobre todo de las dos primeras entregas de Mad Max. Fueron productos pensados para el mercado internacional, que en algunos territorios –como España– alcanzaron un enorme éxito comercial, dirigidos por veteranos del cine de género como Enzo G. Castellari (1990, Los guerreros del Bronx, Los nuevos bárbaros), Joe D’Amato (Bronx lucha final), Sergio Martino (2019, tras la caída de Nueva York), Lucio Fulci (Roma año 2072: Los gladiadores) o Luigi Cozzi (Contaminación: Alien invade la Tierra). En los últimos años, muchas de estas cintas se han convertido en títulos de culto buscados por los aficionados de todo el mundo, generando un fenómeno de reivindicación y recuperando su importancia artística e industrial. Libro oficial Apocalypse Domani. La década dorada de la exploitation italiana de ciencia-ficción (1977-1990) es el título del libro oficial del Sitges 2019 que, bajo la coordinación de Ángel Sala, verá la luz el próximo mes de octubre. Esta será la segunda colaboración entre el Festival y la Editorial Hermenaute, después de la publicación el año pasado del ensayo Michele Soavi. Cineasta de lo macabro. El libro analiza el fenómeno de la exploitation italiana desde la perspectiva del género de la ciencia ficción, repasando sus precedentes, sus contenidos y el impacto que suscitaron este tipo de producciones. Un recorrido didáctico a través de sus películas más representativas, cintas que aún hoy en día cuentan con miles de fans en todo el mundo. La publicación también quiere reivindicar la figura de un buen número de directores italianos, entre los que destacan Antonio Margheriti, Sergio Martino, Enzo G. Castellari, Luigi Cozzi, Ciro Ippolito o Joe D’Amat. .Apocalypse Domani recupera títulos centrados en ciudades distópicas, apocalipsis y cine de bandas; en sus pasajes el lector encontrará el análisis de películas influenciadas por peplum, el spaghetti western y el horror. Guerreros bárbaros, ciborgs, alienígenas, moteros, monstruos de todo tipo, émulos de Conan el Bárbaro o míticos héroes clásicos. Un mundo de fantasía que, durante una década, dio al cine italiano su versión más desinhibida y comprometida con el fantástico. El libro consta de las firmas de críticos de cine y especialistas en la materia como Violeta Kovacsics, Diego López, Ruben Lardín, Jesús Palacios, Xavi Sánchez Pons, Lluís Rueda, Mònica Garcia, Jordi Sánchez Navarro, Desirée de Fez, Manlio Gomarasca, Domingo López y el mismo Ángel Sala. Fantastic 7 El Festival de Sitges ha creado Fantastic 7, conjuntamente con el Marché du Film del Festival de Cannes y el fundador de Blood Window, Bernardo Bergeret. Se trata de un foro destinado a fomentar el talento dentro de la industria del género y favorecer su conexión con socios comerciales potenciales. Fantastic 7 celebró su primera edición en la pasada edición del Festival de Cannes, con una numerosa asistencia de la industria del género llegada de todos los puntos del planeta. La sesión, apadrinada por el director J.A. Bayona, reunió a siete festivales internacionales: Bucheon International Fantastic Film Festival (Corea del Sur), el Cairo International Film Festival (Egipto), el Festival Internacional de Guadalajara (México), el International Film Festival & Awards de Macao (China), el South by Southwest d’Austin (Estados Unidos), el Festival de Toronto (Canadá) y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Cada festival defendió, a través de un pitching, una propuesta de género fantástico. Sitges presentó la nueva producción del cineasta vasco Juanma Bajo Ulloa, Baby. Al acto de Cannes asistió el Ministro de Cultura y Deporte, José Guirao; la directora del ICAA, Beatriz Navas el director del ICEC, Miquel Curanta; el director de su área audiovisual, Francisco Vargas, así como otros representantes de instituciones y organismos relacionados con la industria audiovisual. Taboo’ks Las vías confluyentes entre las industrias audiovisual y editorial volverán a coincidir en Sitges de la mano de Taboo’ks, la iniciativa del Festival de Sitges que acerca la literatura y el cine fantástico. El programa –que abrirá el periodo de presentación de candidaturas la primera semana de junio– selecciona de entre todos los proyectos recibidos cuatro obras (novela, teatro o novela gráfica) y un study-case de un proyecto en vías de adaptación para presentarlos a los productores asistentes al Festival, con la finalidad de promover los acuerdos de adaptación de obras literarias a proyectos audiovisuales. Aprovechando el marco del certamen internacional, Taboo’ks se convierte en un mercado de derechos especializado en el género fantástico. La actividad incluye una agenda de contactos y una masterclass impartida por una personalidad significativa del sector cinematográfico y literario. Apoyo a la 52ª edición Un año más, el Festival agradece el compromiso de las entidades y empresas colaboradoras: Moritz (patrocinador principal), Obra Social “la Caixa” y Mistinguett Sparkling (patrocinadores), Meliá Sitges (patrocinador y sede oficial), Deluxe (colaborador), La Vanguardia (diario oficial), TV3 (televisión oficial), SGAE, Iberia, Renfe, Fnac, Ediciones Minotauro, Fundació Japó, FX Animation y Cha-Chá (colaboradores). Sitges 2019 se organiza gracias a la implicación del Ayuntamiento de Sitges, del Institut Català de les Empreses Culturals del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, y cuenta con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales del Ministerio de Cultura y Deportes, la Diputación de Barcelona y del Carnet Jove – Departament de Benestar i Família. La última semana de agosto contaremos con el anuncio de la cartelera del festival, quedamos a la espera. Comienza la cuenta atrás. |
“Isabel lleva a su hija a una librería. La pierde de vista un momento y desaparece. Un año después, ella y su marido Josh se trasladan a un nuevo hogar aislado en medio del bosque. Isabel, incapaz de superarlo, se refugia en su propio mundo de pesadilla, con alucinaciones, ruidos y presencias que la acechan, a la vez que comienza a desarrollar agorafobia. Por su parte, Josh y su compañero Thomas trabajan para el gobierno descifrando señales de radio procedentes del espacio. En uno de los análisis descubrirán una señal de vida inteligente procedente de otro planeta y, que junto a ésta, viaja otra de baja frecuencia dirigida exactamente a las coordenadas donde se ubica la nueva vivienda de Josh e Isabel.”
Como pasó con “Sam was here”, Ryan Gregory Phillips conoce todo los resortes del terror y el suspense y además lo adereza con elementos de ciencia ficción, y en este sentido ha sido muy cauto al limitar la “tecno cháchara” al mínimo para no pillarse los dedos. Toda la historia de las señales de audio es creíble y consecuente con la evolución de Isabel, sin embargo, también ha pecado de crear un envoltorio de pesadilla olvidándose de profundizar y dar una explicación a lo que sucede.
naturaleza de auténtico ensueño, pero que en sus manos se ha convertido en un lugar que no le gustaría a nadie visitar. Respecto al guión, es cierto que hay algo de explicación a lo sucedido en la película durante el brutal clímax, pero es algo que genera más dudas que soluciones, y por en medio se han quedado varias escenas sin sentido. Sin ir más lejos, la supuesta intriga inicial es más bien un WTF? en toda regla: Isabel va con su hija a la librería, la deja con otros niños al cuidado de una monitora, entra al lavabo y cuando sale no hay niños ni monitora ni dependiente ni cajero ni cliente alguno. Francamente, había formas más sencillas y creíbles de idear un secuestro y, como espectador, me cuesta creer luego que la mujer esté tan afligida por la desaparición de su hija cuando dicha desaparición carece de lógica.
Y es que aquí más que nunca Godzilla es una formidable amenaza, pero aún lo es más que ante la ausencia de un plan de actuación por parte del gobierno en un suceso así (algo comprensible), se siga a rajatabla unos trámites burocráticos lentos que obligan a reunirse diversos departamentos, luego los delegados de cada departamento, luego los delegados de cada delegado con el primer ministro, y ante la siguiente duda, vuelta a repetir todo el proceso, mientras el bicho va haciendo de las suyas.
Y dentro de todo el conflicto político interno, a veces tenso, a veces cómico del que hace gala la película, añadimos un factor externo que me pareció muy inteligente: el gobierno americano, al ser aliado de Japón, ofrece su ayuda en forma de bombardeo nuclear sobre Tokio, lo que lleva a cierto sector del gobierno japonés a pensar en que una vez más, se los quieren quitar de encima. Yaguchi y Ann Patterson tendrán que trabajar a contrarreloj para encontrar una solución que detenga a Godzilla antes del bombardeo nuclear, pese a que para la muchacha, apoyar esta opción pueda ser un revés en sus aspiraciones políticas.
Hasta aquí todo muy bien. Tenemos una sinopsis interesante con su dosis de intriga, un personaje que no entiende lo que sucede genialmente interpretado por Rusty Joiner, situación límite, tensión, una impresionante fotografía (genial los luminosos planos del desierto o el lúgubre interior de la habitación secreta del motel), escenas de acción escasas pero bien rodadas e introducidas en la trama, el misterioso locutor que conoce todos los movimientos que realiza el protagonista, etc. En definitiva, una road movie de manual, que te tiene pegado a la butaca sin que puedas pestañear hasta que termina y te quedas con cara de imbécil, esperando que haya una escena post créditos que te explique algo de lo que has visto. Y a eso viene lo del “efecto Lost”. Muchos fans de la serie defienden todo su desarrollo basado en acumulación de cliffhangers sin explicación argumentando que “lo importante es el viaje, no el destino”. Perfecto. El que acepte eso disfrutará de lo lindo con “Sam was here”. Por mi parte, soy de los que no lo aceptan con tanta tranquilidad. Que no me importa que se deje algún cabo suelto, algo con lo que teorizar al respecto, vale, pero sí me importa el que no haya NI UNA SÓLA explicación a lo sucedido. Y cualquiera puede teorizar al respecto de esta película, es cierto; se puede teorizar sobre si Sam es el asesino al que buscan pero que ha perdido la memoria, si no la ha perdido y está haciendo un papel, si ha muerto y está en el infierno sufriendo su condena… cualquier posibilidad puede ser la correcta o no, ya que no hay ni la más mínima pista que te haga decantarte por una teoría u otra. Y eso jode. Al menos a mí. Pero si para ti “lo importante es el viaje, no el destino”, esta es tu película, porque si obviamos la parte argumental, no hay duda de que está muy bien hecha.
Allá va la sinopsis: “Una mujer con fobia a las arañas es secuestrada por una desconocida organización, llevada a sus instalaciones y obligada a participar en una terapia de choque extrema. Los secuestradores la torturan obligándole a enfrentarse a sus miedos con tal de que alcance el “punto de ruptura”. Tras un intento de fuga descubrirá que el punto de ruptura no consiste en hacer que consiga superar sus miedos y fobias, sino algo mucho más terrorífico y peligroso.”
No puedo mencionar mucho más sin entrar en terrenos de spoilers. De hecho, a diferencia de las otras críticas, no he querido incluir el tráiler tras los créditos iniciales. El motivo es que el video te cuenta toda la peli ya desde el inicio, en el que la voz de uno de los malos explica su particular filosofía, así que he decidido incluirlo al final. La parte final previsible en la cual se conoce el misterio que rodea al “punto de ruptura” hace recordar a cierta saga muy popular que tampoco nombraré, pero el inquietante ambiente y particular estética permiten que no sea algo muy molesto (aunque sí que provoca un cierto desencanto en plan “vale, era esto, pues vaya”). Y lo más curioso es que el final, abierto a más no poder pide a gritos una secuela. Estamos ante una de las pocas veces en que estaría justificada una segunda parte.
Los motivos para crear tanta expectación fueron tres. Primero: la sinopsis… “Justine, una adolescente abandona el nido familiar para estudiar veterinaria en una universidad. Sobreprotegida, mimada y marcada por una rígida forma de vida vegana, se enfrentará de repente a un mundo de drogas, alcohol, libertinaje, sexo y novatadas humillantes, y a Alexia, una hermana mayor que es de todo menos un modelo a seguir.
Todo el asunto del canibalismo o los momentos en los que la directora pretende derivar a su obra hacia el terror no es más que una metáfora, violenta y desagradable, de mostrar la transición de la adolescencia a la etapa adulta. Si eliminamos la parte fantástica, estamos ante un realista relato sobre la represión y posterior liberación emocional de una adolescente, y la lucha entre querer encajar en un sitio nuevo y sus propios miedos a no conseguirlo. O sea, nada que no se haya visto antes. Y que conste que tampoco es una crítica, porque como digo, sin esa parte fantástica estaríamos igualmente ante un excelente drama adolescente. Parte de culpa la tiene el estupendo trío protagonista, Garance Marillier —Justine—, Ella Rumpf —Alexia— y Rabah Nait Oufella, quien interpreta a Adrien, el compañero de habitación de Justine, homosexual, prototipo de tronista en “Hombres, mujeres y viceversa” y su interés romántico/sexual. Y parte de culpa, cómo no, radica en la realizadora Julia Ducournau, quien tiene muy claro lo que quiere mostrar sin importar las críticas. Obsesionada por el cuerpo humano y ayudada por un fantástico director de fotografía como es Ruben Impens —“Alabama Monroe”, “The sky above us”, “Black mirror”, etc.—, no duda en mostrar tanto la parte más erótica como la más desagradable de Justine. Es capaz de trasformar a la joven Garance Marillier de una mosquita muerta en la que nadie se fijaría a un ser libidinoso que exuda sexualidad y erotismo por todos sus poros y a la vez, dar una vuelta de tuerca y conseguir que la escena de su primera relación sexual incomode más que excite por su intensidad y nivel de violencia (eso no quita para que esté rodada de PM). Y sobre lo de mostrar la parte más desagradable, pues Ducournau ha conseguido que después de que el espectador sexualice a un personaje que en un principio no provocaba esa emoción, sintamos asco o desaparezca la empatía hacia ella (la escena de la depilación o verla degustando con placer un dedo humano).
Sin embargo, no podemos quitarnos de encima el asunto del canibalismo y la pretendida deriva de la película hacía el terror, puesto que aunque pueda ser visto como la metáfora mencionada, tiene mucha importancia en la trama y es un apartado que no está bien desarrollado. Es decir, alguien que ha sido vegano por dieciocho años, no puede convertirse en carnívoro (y mucho menos en caníbal) por comerse un trocito minúsculo crudo de riñón de conejo de un día para otro —literal—. Y las escenas en las que se sugiere que hay un trasfondo oculto para este comportamiento, no son explicadas, dejando al espectador con demasiadas dudas.
Mi debut en este Sitges fue con esta película y además iba con una expectativa muy alta. Y es que si tenemos a un director —Colm McCarthy— especializado en televisión de calidad —“Sherlock”, “Los Tudor”, “Doctor Who”, “Murphy’s law”, etc.—, a un guionista — Mike Carey— que es además el escritor de la alabada novela que ésta película adapta, y el co-protagonismo de una siempre extraordinaria Glenn Close, y le sumamos lo huérfanos que estamos de producciones zombis de alto presupuesto para cines, está claro que estamos ante una de las películas de las que más se había hablado con anterioridad y que más ganas tenía de ver el público, que abarrotó todos los pases.
Parte de lo bueno de la película radica en dos de las mujeres del trío protagonista. Glenn Close se sale de su zona de confort habitual para mostrarnos a una científica militar muy cabrona. No es un témpano de hielo como sugieren sus primeras escenas, pero está dispuesta a todo con tal de ayudar a la humanidad, aunque sea matando a un grupo de chiquillos. Y la pequeña Sennia Nanua como Melanie también demuestra ser toda una estrella en ciernes y una actriz a la que habrá que seguir atentamente. Sin embargo, creo algo exagerado por parte la organización haberle otorgado el premio de mejor actriz, ya que realiza una grandísima interpretación pero no increíble, y porque una vez vista la película, no queda claro quién es más protagonista en el trío Close-Arterton-Nanua.
Athnecdotario Incoherente 