Y siguiendo con esta serie de reseñas añejas, de pelis vistas y disfrutadas de las que no hable en su momento, venimos hoy con esta pura gozadera que fue y es Guardianes de la Galaxia Vol.2.
Voy a dejar mi opinión más honesta, sincera, profunda y argumentada: ¡¡¡Nos lo pasamos teta con ella, como jodidos enanos!!! De hecho, la hemos revisionado junto a mis vikingos y como la primera vez, nos hemos reído como energúmenos, nos hemos emocionado, hemos bailado, hemos gritado, nos hemos quedado mudos con un nudo en la garganta y la hemos disfrutado cosa mala de principio a fin. ¡Puro y maravilloso entretenimiento absoluto!
Michael Rooker se come la pantalla y al resto del elenco con su personaje.
Marvel lo peta con sus pelis y como ha planteado su universo, pero lo de esta franquicia es indescriptible. Loco por ver Thor: Love and Thunder y Guardianes Vol.3 el próximo año.
Aprovechando la fecha de hoy (Feliz 4 de Mayo),es buen momento para otra entrega de: «Películas que son buenas y molan mogollón, por mucho que os emperréis en decir lo contrario«. En esta ocasión, otra a la que le cayeron palos por todas partes y no entiendo la razón, siendo como es la peli que mejor mantiene el verdadero sabor de Star Wars de entre toda la nueva hornada.
Recupera la esencia, el espíritu aventurero y juega muy bien sus cartas. Es una delicia, puro entretenimiento y respetuosa con la saga como ningún otra, salvo Rogue One.
Admito que al principio, la elección del protagonista me pareció un error y no me hizo mi puñetera gracia, pero una vez en el papel, el actor lo clava, se mete en la piel del personaje y se lo hace suyo. Una puesta en escena digna de matrícula de honor.
En definitiva, una muy buena película que se merecía mayor suerte en su estreno y más respeto por parte de los fans, que a veces parecemos idiotas.
Y nada. May the 4th be with you, escoria rebelde, Jedis en el exilio, Siths en la sombra o tropas imperiales.
Si uno renuncia a seguir negando la evidencia, acepta la relidad y asume que físicamente se acabó lo de vivir aventuras como antes, habrá que conformarse entonces con regresar a ellas con la imaginación y el recuerdo. Y es que todos hemos querido ser arqueólogos y llevar un fedora con el mismo estilazo que el Dr. Jones, fuese cuando teníamos diez años, sea ahora con casi cincuenta.
Disfrutando como un enano con las anécdotas, curiosidades, secretos y la biografía completa del mejor héroe de todos los tiempos.
Pues resulta que servidor está en plan de revisitar algunas joyitas que a mi entender, fueron injustamente maltratadas. Películas que son buenas y molan mogollón, por mucho que algunos os emperreis en decir lo contrario.
A esta maravilla que es Sucker Punch, a pesar de la hostia que se pegó en taquilla, lo único que le pesa (y admito que no es poco) es que Snyder no se atreviese a llamar las cosas por su nombre (supongo que por temas de productora y clasificación de edades) y la gente no entendiese ni aceptase las metáforas propuestas ni el eufemismo de baile=prostitución/abuso. Le faltaron agallas y honestidad en ese sentido, el atreverse a decir y mostrar las cosas como son, sin subterfugios.
Porque seamos sinceros. Como bien apuntaba en facebook Diego García, hablando sobre el tema, si dejamos a un lado las macarradas, de lo que habla la peli es de unos temas tan duros como son el abuso (en todas su facetas) y la enfermedad mental, convirtiéndose así en una película disfrazada de evasión videoclipera que esconde un análisis más profundo, al que ni siquiera hace falta llegar para disfrutarla. Te puedes quedar en la superficie y no pasa nada.
Estamos ante una cinta que da justo lo que prometía, tal cual. Si fuiste a verla, sabías a lo que ibas. Efectos de la leche, hostias como panes, chicas guapas y supersexys, acción, katanas, dragones, robots, samuráis y nazis. ¡Una jodida fantasía! ¿Que más quieres?
Pues que ya hemos visto La liga de la justicia de Snyder y oye, compro.
Es una visión del mundo de los supers totalmente distinta y casi diría que opuesta a la de Marvel. Allá, en general y salvo excepciones, son humanos mejorados por la ciencia y la tecnología, con poderes adquiridos. Aquí, son prácticamente divinidades, entidades superiores de naturaleza muy por encima de la humana. Vienen a ser el equivalente a los dioses y héroes de los antiguos mitos griegos y la primera alianza contra Darkseid no menciona a los mismos de manera gratuita. Es toda una declaración de intenciones por parte de Snyder. Esa es su perspectiva y así la desarrolla a lo largo del film. Construyamos monumentos en su memoria, compongamos canciones sobre ellos, alabemos sus gestas. Demos gracias al hecho de que están de nuestro lado, porque podrían aniquilarnos de un simple parpadeo si quisieran. Han elegido protegernos, cuando podrían esclavizarnos o simplemente, hacernos desaparecer.
Además, y aunque esto ya puede que sea cosa mía, no puedo evitar ver otra analogía con aquella también extraña alianza, la que imaginó Tolkien, entre los pueblos de la Tierra Media. Allí, hombres, enanos, elfos y hobbits; aquí Amazonas, Atlantes y humanos. En ambos mundos, razas distintas que en el mejor de los casos se toleran a duras penas o se ignoran, cuando no están directamente en conflicto, hasta que deben hacer frente a una amenaza en común, un enemigo que les supera en todos los sentidos y que les obliga a colaborar si quieren tener la mínima oportunidad. La diferencia en este universo que nos atañe, es la aparición de un Dios entre dioses, aquel que resucitó de entre los muertos y pieza fundamental. El referente mesiánico puede llegar a ser incluso exagerado, pero indudablemente necesario.
A la peli le sienta de lujo el material añadido y junto a la excelente labor del nuevo montaje, consigue el ritmo y la coherencia narrativa que no tenía antes. Así, la historia adquiere una fuerza, profundidad y épica que a mí me han ganado de calle. No es La Gran Película, pero es la peli que yo esperaba ver, que quería ver y que la JL se merecía.
Bajo un título tan extraño y extravagante, se esconde una de las mejores películas de este primer trimestre, y quizás de todo el año. Porque lo tiene todo para convertirse en una de las favoritas de cualquier amante del cine: un argumento sencillo, grandes dosis de humor negro, escenas muy divertidas, personajes memorables, una feroz crítica social… Y si a ello le añadimos el que está basada en una historia real, el resultado no puede ser más interesante.
Pero
mejor vayamos a los hechos. En la cinta se narran dos o tres años de
la vida de una escritora de biografías, Lee Miller, que pasó
de ser una celebridad en los años cincuenta y sesenta por sus
interesantes obras, que cosecharon un gran éxito, a convertirse, con
el paso del tiempo, en una especie de personaje maldito, que
no consigue ni tan siquiera llegar a fin de mes, y por quien no
apuesta ningún agente literario, ni tampoco ninguna editorial.
Además se enfrenta a un temor compartido por muchos escritores
actuales: el bloqueo producido por la página en blanco.
Con
su vida convertida en un desastre, no tiene un simple dólar,
le debe varios meses de alquiler a su casero (que vive en la planta
baja del edificio), tiene una plaga de moscas en su apartamento, se
le pone enferma su gata (y como no ha abonado los tratamientos
anteriores, se niegan a atenderla), pierde su último trabajo; lo
cual añadido a su alcoholismo, compone una situación de extrema
precariedad. Mientras trabaja en una biblioteca para intentar
terminar una nueva biografía, encuentra unas cartas
originales de una vieja estrella, y se le ocurre la feliz idea de
quedárselas para luego venderlas en una librería especializada. Por
la primera le ofrecen una pequeña cantidad, y le indican que es una
pena que no estuviera más personalizada; lo cual le hace pensar que
si añade a máquina, aprovechando el espacio disponible al final de
la segunda, un mensaje más personal, podría conseguir más dinero.
Y
eso es lo que hace, consiguiendo una buena cantidad. Esto la lleva a
plantearse la posibilidad de escribir cartas a máquina de personajes
célebres, como forma de vida. Durante varios años, se pone a
falsificar de manera sistemática los escritos de personajes
célebres (entre otras, a Marlene Dietrich), y a venderlas a una
selecta red de intermediarios, que trabajan para coleccionistas
especializados, hasta alcanzar las cuatrocientas falsificaciones, que
según Lee Israel fueron algunas de sus mejores creaciones
literarias de toda su vida.
Pero
evidentemente, el fraude se acaba descubriendo… La ponen en la
lista negra, incluso el FBI toma cartas en el asunto, y la llevan a
juicio.
Al
margen de las propias experiencias de la escritora, hay un personaje
muy singular, posiblemente su único amigo, un gay crepuscular,
alcohólico y drogadicto llamado Jack Hock, que va adquiriendo
importancia a lo largo de la cinta, y ejerce de magnífico
secundario, y cómplice en la vida real de la impostura. Es un ser
entrañable, muy humano, y con un peculiar sentido de la
justicia, que se adueña de la pantalla desde el primer momento.
La
selección de los actores protagonistas es una de las claves del
éxito de la película, puesto que resultan plenamente creíbles en
todos los momentos de la misma. Melissa Mc Carthy encarna a
Lee Israel, y ha participado en numerosas producciones tanto trágicas
como cómicas, siendo una de sus más recientes apariciones en la
cinta “¿Quién está matando a los moñecos?” (una
desternillante comedia, que parodia a las películas de detectives
americanas de los años ochenta), “La boda de mi mejor amiga”,
“Como la vida misma”… Richard E. Grant es un
secundario de lujo, a quien hemos visto entre otras producciones en
“Drácula de Bram Stoker”, “Retrato de una dama”,
“Su mejor historia” y “Logan”.
La
aclamada cineasta Marielle Heller, quien debutó con “The
diary of a teenage girl”, consigue crear una cinta de gran
interés, está encantada con Lee Israel, una antiheroína que
rompe con los moldes de los antihéroes masculinos. “Creo que
las películas tienen siempre unos personajes masculinos maravillosos
y complicados que pueden ser muy toscos y moralmente ambiguos. Tener
una historia con unamujer
que sea compleja, problemática, alcohólica, que cometa delitos,
pero que también sea luchadora, inteligente y ambiciosa, es muy
emocionante”.
Como
emocionante resulta toda la película, con un dúo protagonista en
estado de gracia, unas situaciones verosímiles, y que te deja
deseando tener en tus manos la biografía de Lee Israel, “Can
you ever forgive me?”, que desgraciadamente solo está
disponible en inglés, pero que ya he añadido a mi lista de lecturas
pendientes.
Soy fan de Clint Eastwood desde casi antes de mi nacimiento, ya sea en su faceta como actor, con auténticas joyas del western (la famosa “Trilogía del Dólar”), o las impresionantes y siempre recomendables secuelas de “Harry el Sucio”; sin olvidarnos por supuesto de su crepuscral interpretación en “El gran Torino”, o la magnífica “Los Puentes de Madisson”. Como director, también he seguido sus películas, aunque algunas de ellas me han parecido un poco irregulares. Quizás porque a medida que ha envejecido, esto se ha notado en su personalidad o en su talento.
Pero
lo que está claro es que no me ha dejado nunca indiferente. Aunque
es la primera vez que casi me duermo en el cine, en mitad de una de
sus obras. Y digo dormirme, hasta el punto de casi caerse la baba y
empezar a roncar, no la cabezadita de rigor, por ejemplo en medio de
una ópera de Mozart. Hablo de dormirme en el sentido literal.
He
leído críticas muy variadas sobre “Mula”, su más
reciente creación en su doble vertiente de actor y director, con su
productora Malpaso. Hay quienes la ponen por las nubes,
destacando hasta qué punto se mete en el personaje, o su ritmo
sosegado en la dirección, situándola incluso entre sus mejores
creaciones. Otros la critican desaforadamente.
Yo
pienso que ni lo uno ni lo otro. Es sencillamente prescindible, es
más, podría convertirse en un final de carrera no demasiado
glorioso para un magnífico actor.
Quizás
uno de los problemas sea el personaje protagonista, encarnado por
Clint Eastwood, como un veterano de la guerra de Corea, que
vive separado de su ex mujer en una pequeña granja donde cultiva
extrañas variedades de orquídeas y otras plantas exóticas. Hasta
que en la fiesta de compromiso de su nieta se entera de sus problemas
de dinero, y uno de los invitados le da un número de teléfono, por
si necesita un dinero extra. Agobiado por las deudas, decide llamar,
poniéndose en contacto con el representante de un peligroso cártel
de narcotraficantes mejicanos. A cambio de llevar de una ciudad a
otra (en este caso, el destino es Chicago) un cargamento de drogas,
recibirá una cantidad de dinero.
Es
decir, se convierte en mula, y de aquí el título de la película, y
la mayor parte de su argumento. Quitando un par de detalles
costumbristas (como la primera aparición en el taller de los
traficantes, o la fiesta de los veteranos), la película se reduce a
una serie de viajes, en los que se ve a Clint Eastwood conduciendo,
primero a bordo de su vetusta furgoneta, luego en una rutilante
pick-up negra. Son trece viajes.
Afortunadamente
hay dos tramas secundarias, que animan algo la cinta. Por una parte,
la investigación del agente de la DEA (agencia anti drogas
americana) Colin Bates (magistralmente interpretado por
Bradley Cooper). Se pasan un buen rato jugando al gato y el
ratón, intentando localizar a la esquiva mula, recurriendo a
múltiples medios, desde el confidente hasta los controles de
carreteras o el uso de helicópteros y vehículos camuflados. La
segunda trama es la enfermedad de su ex mujer, y de qué manera les
va uniendo al final de su vida, lo cual genera un par de escenas
francamente interesantes.
Pero
ya está. Es decir, Clint Eastwood interpreta el papel de un
personaje decrépito, de andares lentos, casi sin voz, a quien
prácticamente no se le entiende cuando habla en múltiples ocasiones
de la película (por lo que es muy recomendable verla en versión
doblada). Su deterioro físico y psicológico durante la cinta es muy
evidente. No tiene nada que ver con sus otras interpretaciones de
personajes de edad avanzada, como el protagonista de “El gran
Torino”; ni siquiera con el bastante romántico fotógrafo del
National Geographic.
No.
Es
un paso más en la decrepitud de un gran actor, que me ha dejado
seriamente preocupado, al no ser capaz de distinguir los límites
entre el personaje que interpreta y la realidad. Si se encuentra así
de mal, sería de lo más recomendable que esta fuera su última
película, tanto como actor (da pena verle en todos los sentidos),
como director (me ha parecido infumable).
Por
una vez, y sin que sirva de precedente, aconsejo a quien tenga
interés en verla que se ahorre el dinero del cine, saque de su
colección de películas cualquiera de las que he mencionado
anteriormente (las de Harry el Sucio, por ejemplo), y disfrute
durante dos horas de una dosis de buen cine. Y dentro de seis meses,
por ejemplo, la vea en streaming, que le resultará
incomparablemente más barato y satisfactorio. Sobre todo porque
podrá interrumpirla cuando quiera para echarse la siesta.
Buena semana a todos, muchas gracias de nuevo al Tito Athman por abrirme su bitácora, y espero que os guste esta nueva entrega crítica de lo que he comenzado a llamar “Palomitas” o “Qué grande es el cine y qué alto suben los equilibristas”.
Life. Me flipa la horror cifi con bicho alienígena weirdo e hijoputa, de herencia Lovecraftiana, más cabreado que una novia cuando no te fijas que se ha depilado las cejas. Ese escenario asfixiante mezcla de gótica casa encantada y submarino. Un cliché que casi (digo casi porque hay algunas precursoras) comenzó con «Alien: el octavo pasajero«, referente de este género. Debo admitir que prefiero cuando el ambiente tira hacia nave oscura y aceitosa con mil recovecos digna de un camionero espacial mas que a ese profiláctico y blanquito de misión NASA, donde todos son lumbreras hiperpreparados y megainteligentes, que se sacaron la carrera de astronauta en sus ratos libres como modelos de pasarela. Life no te engaña: esto es canibalizar su referencia casi al dedillo y eso, en el fondo, se agradece. Tiene sus fallos garrafales de cargarse coherencias narrativas en beneficio del espectáculo, tan previsible como melodramático, los supervivientes finales son caucásicos angloparlantes y se añade el tufillo de que, como Ryan Reinolds cobra a doblón, lo matamos pronto pero aparece de reclamo en el cartel. Aún así, como sabes que compras de imitación, la disfruté mucho por entretenida y me parece superior a otras copias que van de renovadoras y originales. Blockbuster de usar y tirar, como un kleenex con dibujitos de Batman.
Clown Otra de payasos. Aunque no me dan mucho miedo sino más bien penilla. Está basada en una historia de Stephen King, con todo lo que implica… Eh, perdona, que no, no es de Stephen King. Sólo lo fusila. Pero descarado y con menos vergüenza que meterte en un sex shop a tumba abierta. Vale, aceptamos barco pero oye, ¡la peli mola! Es rapidita, se deja ver, tiene momentos divertidos y escalofriantes. Pasas un buen rato. Lo del traje maldito y el homenaje a «It» se acepta porque es simpática. Es lo típico y tópico pero casi casi no te das cuenta. Aprobado largo.
Clinical Resumiendo: más molesta que un herpes. No me vendas una de miedo y me enchufes el tópico thriller melodrama de Antena 3 al que le falta el «basado en hechos reales». De vergüenza. De vergüenza absoluta.
Creep Mi gran sorpresa de esta tanda. No me gustan las pelis de psicópatas. Tengo que admitir que me dan el mismo miedo que los payasos. Entiendo ese vértigo de que un asesino, un ser humano, quiera quitarte la vida y no atienda a súplicas ni llantos. Que realmente los disfruta, disfruta causando dolor. Pero debo de admitir que este pseudo «found footage» es una gran película. Rodada con un bajo presupuesto, el actor principal es también el guionista. Se nota que ha puesto verdadero amor en su obra, con una premisa sorprendente de un asesino en serie que busca confraternizar con su víctima y hacerse amigo de ella. El tipo es inquietante a paladas, como esa sensación de meter la pata porque tu interlocutor extrae toda una teoría de una frase sin importancia que nada tiene que ver con lo que estás hablando y se molesta porque generalizas. Hay momentos de verdadero espeluzne como el baile ante la puerta con la máscara lupina o la llamada a la hermana desde el baño. Una joya, de verdad. Merece la pena.
Creep 2 Secuela de la anterior que mantiene el tipo dando un giro radical y nos presenta a nuestro adorable psicópata en plena crisis existencial de los cuarenta invitando a una YouTuber en horas bajas y que está casi peor que él para que protagonice su última gran obra. Entre los dos se genera una anti química de almas gemelas unidas por sus transtornos mentales que provoca muy buenos ratos e incluso divertidos y tiernos. Es como esa novia que no para de burlarse de ti y te ayuda a mejorar con eso. Aunque se deja ver muy bien es cierto que le falta mucha de la frescura de la primera parte y mucha de la tensión por lo que creo que la saga debe terminar aquí. Como me dijo una vez alguien especial, terceras partes nunca fueron buenas.
Family Blood Una de vampiros con casi todos los topicos del género (salvo lo de la dentadura postiza para esconder los colmillos y la falta de higiene bucal). Creo que pretenden hacer una especie de alegoría crítica respecto a cómo se puede sentir un hijo cuando la madre soltera se echa un nuevo novio además del eterno paralelismo conectado entre vampiro/yonki sangre/droga. Pero no logra ni una cosa ni la otra y se queda mas pobre que la WiFi gratis de un hotel. Pero es de vampiros. Hace mucho que no veia una de vampiros.
Temple Terror japonés con americanos de solemnidad que trata de ser polémica sobre tríos amorosos y confesión de verdades ocultas. Todo es muy japonés: el ambiente, los bosques, el kitsune, el pueblecito, las mandarinas, los niños raritos, las tiendas caóticas polvorientas en las que encuentras tanto una adaptador de enchufe como un libro de ocultismo prohibido que debería permanecer guardado por sacerdotes, el sake y las abuelas borrachas… Le falta una escena de cerezos en flor cayendo sus hojas agitados por la brisa con musica triste para el triste pagafantas. Solo le veo un problema a esta película y pesa demasiado, es una mierda y los protagonistas ayudan comportándose como retrasados metepatas. Bastante tostón. Si encima cuentas que a mi me cuesta distinguir a un oriental de otro y todos me parecen el mismo, se hace confusa, el ataque de los clones.
XX Ya he comentado que me encantan las películas episódicas, formadas por pequeños capítulos independientes. Esta venía con el sello del hilo conductor de los femenino y lo feminista. Me considero feminista y me interesa muchísimo la creación realizada por mujeres. Pero lo que no perdono es aburrirme y esta película es profundamente aburrida. Tampoco perdono, ya lo sabéis, pasarse de intelectual extraño y no resolver con la excusa barata de “es para que te haga pensar”. No se salva ni un solo capítulo y lo mejor que tiene es el excéntrico teatro de marionetas de los interludios: inquieta y remueve. Vamos, un fracaso total. Esa no es la manera.
El apóstol Lo que podría haber sido una interesante historia de miedo primordial se queda en nada porque tratar de abarcar mucho: sectas, cultos primigenios, magia, crueldad, raptos, trama detectivesca, luchas de poder dentro del culto y fuera del mismo, castigos victorianos, tortura, chica adelantada a su tiempo que se enamora de un protagonista con menos expresividad que una rueda pinchada. Todo al final es demasiado confuso y tienes la sensación de que algo no funciona como si hubiera un piloto del coche encendido continuamente que no te permite mantener la atención adecuadamente. Roza el larguero pero no culmina. Una pena.
Don’t knock twice A priori, interesante. La leyenda urbana de la casa de la bruja del barrio que aquí entronca con el de la Baba Yaga y la cultura rusa, los demonios y las maldiciones heredadas. Pinta bien y tiene algunos sustos verdaderamente buenos para la media. Pero no aporta nada nuevo y es tan previsible, el malo que no es el malo sino la chica buenorra que parece buena y ese tipo de giros más pesados que una tarde en urgencias. Quiere, además, introducir cierta tensión con el asunto de la madre ex adicta que recupera a su hija. La recupera ahora que está forrada de pasta, claro. No termina de haber buena química entre las actrices. Por cierto, también hay ciertos huecos de guión que dan algo de penilla, a mi me resulta simpático el padrastro que deja a su mujer e hijastra en clara situación de tensión y tras admitir que están “teniendo visiones” y se larga de viaje de negocios pasando de su familia en un salto circense y no dar señales de vida ni preocuparse por la persona que ama hasta que llega para terminar, con justicia, troceado en el maletero. Esta es mi tipo de peli: sirve para desconectarte el enchufe de la mente y no pensar en nada. Evadirte. Aprobado general, venga.
El exorcismo de Emily Rose Buenos actores, buen tempo, buena dirección pero… vamos a ver, afirma que es una peli de miedo y no es cierto. Es una de abogados. Daría lo mismo si el caso fuera un exorcismo o que el cura se ha metido en una pelea de bandas del Bronx. La cosa es una de abogados con sacerdote. Todo muy de aquellas producciones de los ochenta donde el propio letrado hacía de detective y el asunto se basa en convencer a un jurado de un caso en el límite entre lo legal y lo moral. En un momento, el asunto parece animarse pero al final el exorcismo se queda en gatillazo. Y, para aún dar más vergüenza, se recurre al buenismo melodramático “made in USA” ¡con apariciones marianas! Tan edulcorado como mezclar helado con piña colada. ¡Señoría, protesto!
El exorcismo de Anna Ecklund Otra de exorcismos, casi con el mismo nombre. Hay un montón por ahí. ¿Para cuando un Exorcismo de Mickey Mouse? Creo que se están pasando de exorcismos y mira que me gustan las pelis con demonio. En esta el sacerdote está continuamente estreñido y nos ahorramos el juicio pero mantenemos el trasfondo mesiánico. Pero es tan mala que al final termina en una orgía en la que tienes que hacer un esfuerzo para encontrar al que NO está poseído. Monjas haciendo karate, chicas que se erigen en elegidas de Cristo… Todo más baboso que te traigan un Banana Split preparado hace media hora: se derrite y derrama por los lados del cuenco y deja un charco en la mesa. Admito que, durante un buen rato, creo que me dormí. Así que la recomiendo para irse a la cama y que mañana sea otro día mejor.
El amanecer de los muertos Nuevo remake (oh, sorpresa, un remake) del clásico de zombis. Pero tengo que admitir que está hecho de forma simpática y cumple con todos los tópicos así que ya he visto un par de zombis que me han gustado. Al final, voy a hacerme aficionado al género: algunas merecen la pena. Me encanta, por cierto, el juego con los carteles en las azoteas.
Los americanos, que son tan listos para las cosas del cine, definirían esta fantástica película con poco más de dos palabras: “Road movie” (película de carretera)o o “Buddy movie” (película de amigos). Porque en el fono, es precisamente lo que es, una mezcla magistral de ambos géneros, con el añadido de ser una historia real.
Es
el producto de mezclar a un matón italiano, que actúa de encargado
de seguridad y camarero en un prestigioso club nocturno (ni más ni
menos que el Copacabana), con un famoso pianista clásico (que vive
encima de la sala de conciertos del Carnegie Hall. Por culpa de unas
necesarias obras de reforma y saneamiento del club, Tony Lip,
interpretado por un tremendo Viggo Mortensen (en uno de su
papeles más personales hasta la fecha), se queda temporalmente sin
trabajo, y con una familia que mantener, se pone en busca de un
empleo para unas cuantas semanas. Y a través de su red de contactos,
se entera de que cierto pianista (a cargo del actor Mahershal Ali,
conocido por sus interpretaciones en El curioso caso de Benjamin
Button y Los juegos del Hambre: Sinsajo, entre otras)
necesita un factótum (sobre todo un chófer) para una gira de
conciertos por el Sur más profundo de Estados Unidos.
A
pesar del desencuentro inicial (Tony es un poco racista, como fiel
reflejo de su época; y el Dr. Don Shirley es una persona de
color), consiguen alcanzar un acuerdo, embarcándose en un viaje de
ocho semanas, durante las cuales el pianista dará una serie de
recitales, tanto en prestigiosas salas de conciertos, como en las
plantaciones de ricos propietarios. Es un viaje que, a pesar de estar
planeado casi hasta el mínimo aspecto, no estará exento de
problemas, por el intenso ambiente racista que se respira en
la década de los años sesenta; lo cual dará lugar a numerosos
problemas, que intensifican la relación entre ambos personajes. Son
dos personas muy diferentes entre sí que tendrán que hacer frente
al racismo y a los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido
del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para
sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida. Cabe señalar que el
famoso “Green Book”, o libro verde que da nombre a
la película, es una guía de hoteles, alojamientos, bares y
restaurantes que en el Sur dan acogida a viajeros negros.
Es
una película que tiene grandes momentos cómicos, como por ejemplo
la primera vez que Don Shirley prueba el pollo frito estilo
Kentucky dentro del coche, a pesar de todas sus reticencias a comer
con las manos (cómo no, es en un pequeño local de la cadena
Kentucky Fried Chicken); o la llamada que hace madrugada al fiscal
general de Estados Unidos para que les saque de una comisaría de
mala muerte en la que han sido detenidos. También destaca, por su
frescura, el improvisado concierto de jazz que da en un local solo
para negros, al que se une toda la pequeña orquesta. Pero
también otras que reflejan la dura realidad, como cuando le indican,
en mitad de un concierto en una plantación de algodón, que puede
usar las letrinas de los negros, al pie de un árbol, pero no los
aseos de invitados; o cuando decide suspender un concierto en un
hotel de lujo porque no le dejan acceder al mismo restaurante donde
se tiene que celebrar la actuación.
Nick
Vallelonga, el hijo mayor de Tony Lip, se crio oyendo hablar del
mítico viaje de su padre con Don Shirley; y cincuenta años más
tarde la ha podido plasmar en una gran película, en la que trabaja
como actor, guionista, productor y director. “Desde joven,
quería ser cineasta y contar historias, y esta era una gran historia
que me contó mi padre. Formaba parte del acervo familiar, pero
también sabía que era una historia importante sobre dos personas
muy distintas que se juntan y se cambian mutuamente la vida.”
Para su padre, Tony Lip (se ganó ese apodo por su gran labia
y capacidad de convencer a la gente para que hagan cualquier cosa;
aquí le llamaríamos “piquito de oro”), ese viaje le
abrió los ojos sobre la dura situación de los afroamericanos
y el aluvión de humillaciones y de peligros muy reales por culpa de
las leyes raciales (entre otras las leyes segregacionistas de Jim
Crow, mencionadas en la película), donde existía incluso el
toque de queda. Fue algo que le abrió los ojos, al mismo tiempo que
le hizo reflexionar sobre un problema mucho más evidente en el
profundo Sur.
“Green
Book” es una de esas películas necesarias, incluso en
nuestros días, porque reflejan una realidad que en ciertos aspectos
no ha cambiado demasiado en el último medio siglo, tanto en Estados
Unidos como en otros muchos países. Porque habla de los prejuicios,
de la discriminación, de la lucha por la igualdad, y de la
esperanza. Temas todos ellos de la máxima actualidad. Si eres negro
y pobre, tus posibilidades de tener una vida digna serán muy
complicadas. Si eres negro y rico, o si tienes un don especial, como
es el caso del doctor Shirley, puedes convertirte en un juguete de
los blancos, pero con el riesgo de ser rechazado por los de tu raza.
Es por lo tanto también la historia de un viaje que cambiará las
vidas de ambos protagonistas, convirtiéndose al mismo tiempo en el
origen de una amistad que durará décadas.
En resumidas cuentas, “Green Book” es una película sumamente recomendable, hermosa y pausada, en una época en la que cada día resulta más difícil encontrar muestras del CINE con mayúsculas.
Muy buenas Incoherentes. Hoy me dejo caer por el blog, para traeros la reseña de la última película, nominada a diez Oscar, dirigida por el griego, Yorgos Lanthimos, conocido por obras como «Canino», «Alps», «Langosta» y «The Killing of a Sacred Deer».
Conocí al susodicho no hace mucho, creo que fue en 2017 en el Festival de Cine Sitges (¿dónde si no?), con el visionado de «The Killing of a Sacred Deer» y me disgustó muchísimo. No comprendía la historia, ni de qué iba la vaina. El ritmo era lento, las actuaciones extrañas… Me pasé flipándolo muy fuerte las dos horas que duró. PERO, y sí, pongo un PERO como la copa de un pino, al salir del cine e ir a hacer la post tertulia y desgranar la historia, comprendí que acababa de ver una puta obra maestra (¿se puede decir puta en un blog?). Una maravilla. Un puzzle que encaja a la perfección como por arte de magia.
También me dí cuenta de lo dormida y relajada que estaba frente a una proyección. Que si no me dan un blockbuster mascadito, la peli no me gusta. Me enfadé mucho conmigo misma. Me estaba volviendo perezosa y rechazaba un cine que me obligara a pensar y a reflexionar.
Lanthimos me abrió los ojos con su brutal contenido social, con su inconformismo, con su protesta, con su violencia y crueldad… Así que cuando supe que podría ver otra película de él, la emoción me embargó, porque volvería a tener un desafío delante de mí, y me preguntaba qué sería esta vez y cómo encajaría su universo en una historia de época.
Dejé el tema, no indagué más y hasta ayer no pude ir al cine a verla. «La Favorita» es diferente a lo que ha hecho antes, es mucho más accesible y esto es porque Yorgos, no es el guionista como suele ser habitual, así que la cinta no cuenta con la sinergia guión-dirección. Pero a pesar de que no es una obra 100% Lanthimos, es una película que nos ofrece muchísimo.
A destacar:
El diseño de vestuario es magnífico, el cual corre a cargo de Sandy Powell («La Reina Victoria», «Velvet Goldmine», «Gangs of New York, «Shakespeare in Love«)
La fotografía es de Robbie Ryan: «Slow West», «Cumbres Borrascosas» entre muchas otras, quien también ha participado en videoclips de Massive Attack y How Destroy Angels
La banda sonora es exquisita
Las actuaciones de Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone, son alucinantes. Consiguen transmitir algo muy fuerte a través de pantalla, una reacción totalmente física, algo palpable… Fantásticas, poderosas, un tridente que se complementa a la pefección (por favor, por favor, vedla en VOSE)
La ambientación. Todo está muy recargado y lleno de detalles, es totalmente barroco, asfixiante, abrumador… Muy acorde con lo que nos quiere transmitir la historia
La dirección… Es impecable. La utilización de recursos como el gran angular, el ojo de pez, la elipsis, los planos en movimiento, la iluminación tan kubrickiana y que recuerda tanto a «Barry Lindon»… Todo esto te zambulle en ese momento histórico, en la vida de esas tres mujeres, te provoca vértigo, malestar, risa amarga…
Y ¿de qué va «La Favorita»?, pues nos encontramos en el siglo XVIII, Inglaterra está en guerra con Francia y la regente, Anne, tiene un delicado estado de salud. Lady Sarah es quien realmente gobierna el país, y su prima Abigail, aparece demandando un empleo ya que ha perdido su condición de Lady, debido al mal hacer de su padre.
Bajo esta premisa de se desarrolla una lucha de poder, una demostración del patetismo humano, de su crueldad, de su egoísmo, su inocencia, su lujuria, su soberbia. Nos habla del sometimiento, la humillación, el humor ácido y sarcástico, del amor, los celos… Resumiendo, habla de la realidad, de la propia naturaleza de las personas, de nuestra esencia, de quiénes somos y qué estamos dispuestos a sacrificar por nuestros deseos, por nuestras metas.
«La Favorita» no es totalmente Lanthimos, pero no por ello es una película para pasar por alto. Es brillante, elegante y sórdida, delicada y violenta, es un organismo vivo que provoca que no puedas apartar la mirada, es exigente con el espectador, es intensa; Es una tragi-comedia-negra.
Athnecdotario Incoherente 